Las mejores películas del 2014

En un año de interesantes películas, en Revius concentramos las más destacadas. Acompáñenos a leer nuestra lista no-jerarquizada de mejores filmes del 2014.

 

Premio “HAIL HYDRA” al Mejor Plot Twist y a la Mejor Película de Comics del año: Captain America: The Winter Soldier

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Otra muestra de la diversificación y la consolidación del leviatán que ha construido Marvel Studios -y en general, de las películas de superhéroes- es “The Winter Soldier”, que no sólo jugó con las expectativas al entregarnos un thriller político como no se veía hace años -todo con una buena dósis de superpoderes-, pero se volvió una película consagratoria para el Steve Rogers de Chris Evans, y sobre todo, para la Black Widow de Scarlett Johansson (a quien aún le deben su película protagónica).

Acción, drama, emoción, humor (la fórmula ganadora de Marvel Studios), condimentada con la presencia de Robert Redford y del mejor villano del MCU de este lado de Loki, más un plot twist que es un verdadero game changer (y que de paso sirvió para salvar a Agents of S.H.I.E.L.D.), fueron algunos de los elementos ganadores de la película dirigida por los hermanos Russo, la cual no sólo es la mejor película individual de Marvel Studios, probablemente sea la mejor entre las 10 existentes.

Premio “Multitasking” al mejor personaje resolviendo múltiples problemas a la vez: Locke

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La pudimos ver gracias a Sanfic 10, y fue una de las mejores presentadas durante el festival. La historia de Ivan Locke, un supervisor en obras de concreto que debe lidiar con un día muy importante en su vida, tanto afectiva como laboralmente. Valiéndose únicamente de tomas a Tom Hardy conduciendo, y de los alrededores del camino que recorre, crea un ambiente íntimo para este hombre que mira como su vida hasta aquel día, se va alejando, y conocemos los motivos por los cuales Ivan maneja dichos asuntos de la forma que lo hace. Un tremendo trabajo de dirección, fotografía, banda sonora, y sobre todo, de interpretación por parte de Hardy.

Premio “Toy Story en cocaína“ y premio “Todo es increíble” a la película animada más anárquica: The Lego Movie

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El título puesto puede parecer un poco reduccionista, pero lo tomamos prestado de tumblr porque de cierta forma sirve para explicar fácilmente el concepto de una película que, de principio, muchos creían no sería más que un comercial de juguetes de larga duración. Y no bien la promoción obvia a los famosos juguetes para armar, lo cierto es que el trabajo de Phil Lord y Chris Miller no sólo derribó prejuicios, pero generó una película que no sólo es inteligente, antisistémica y genuinamente divertida, pero que cuenta con humor tanto para niños como para adultos. Súmele a eso una de las mejores interpretaciones de Batman que hemos visto, una canción pegajosa cortesía de Tegan & Sara y The Lonely Island, y un elenco de voces de aquellos (Chris Pratt, Morgan Freeman, Alison Brie, Charlie Day, Will Ferrell, Nick Offerman, Liam Neeson) para elevar a The Lego Movie a lo mejor del año.

Premio a la mejor confección de una cabeza de papel maché: Frank

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Pasó un poco desapercibida en medio de la temporada de blockbusters, pero la película estelarizada por este extraño personaje interpretado por Michael Fassbender merece estar en el top del año. Con un guión cargado a la ironía, a la incomodidad, y un poco al caos, la película nos habla de la interdependencia y las expectativas entre personas para superar sus crisis internas, y depositar cimientos personales en sujetos desequilibrados. También sobre cómo la externalidad afecta al medio, y cómo la singularidad termina por ser condenada por la nomalidad. En medio de todo esto, Frank lidera una banda musical, y nos entregó una de las mejores canciones del año: I love you all, un epílogo perfecto para esta cinta imperdible sobre relaciones humanas que se ven extrañas a primera vista, pero que no lo serían tanto si los Franks de mundo vistieran cabezas de papel maché.

Premio “Magnolia” a las mejores secuencias musicales y al Mejor Cineasta Joven: Mommy

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Mommy es la historia de un niño hiperactivo y violento, su madre y una vecina, tres personas que se encuentran y se acompañan en las buenas y en las malas. Quizás, tiene un argumento que no es tan original pero su puntos más fuertes están en la calidad de las interpretaciones. Los tres protagonistas ya habían trabajado con Xavier Dolan en películas y/o cortos y provocan que uno olvide que está frente a una película y se sumerja completamente en sus vidas. El lazo que se da entre esta familia y su vecina, además, de lo feliz que son estando juntos a pesar de todo lo malo que les ha sucedido en el pasado, es el corazón del filme. La conexión del espectador con ellos se debe en gran parte a la forma de filmar que tiene Dolan, su estética característica que hemos visto desde su primer filme (cuando sólo tenía 19 años) y que fusiona de manera perfecta las tomas en cámara lenta con canciones y que nos permite ver el desarrollo de los personajes sin tanto diálogo. Dolan también se encarga del guión y aunque en sus dos primeras películas este era su lado más débil, desde Laurence Anyways ha quedado clara su prolijidad en todas las aristas de su trabajo. Estamos frente a uno de los mejores cineastas de su generación y sólo tiene 25 años. Al principio de Mommy pensamos que era una mala idea utilizar una pantalla con formato 1:1 (pantalla cuadrada) pero luego me di cuenta que era el pretexto para que Steve pudiera ampliar la pantalla mientras andaba en longboard y, así,  mostrarnos también a su madre y a su amiga que iban en bicicleta a sus costados, todo esto al ritmo de Wonderwall de Oasis.

Premio “Rubén Campos” al mejor diseño de pantalones: Her

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Esta es un comodín, no bien su fecha original de estreno es en 2013, a Chile llegó en febrero. La historia de Theodore Twombly no dejó indiferente al mundo cinéfilo, motivando numerosos debates sobre inteligencia artificial, obsolescencia, sociedad, amor, y colores pasteles. La relación entre el personaje interpretado de forma brillante por Joaquin Phoenix y el sistema operativo con la voz de Scarlet Johansson trascenderá como una de las películas que habla sobre nuestro tiempo, y la posición de los seres humanos frente a la tecnología. Spike Jonze se hizo con el Oscar a Mejor Guión Original por su trabajo, y no podemos no destacar además el increíble trabajo de banda sonora de Arcade Fire, y la canción interpretada por Karen O y, escrita por el propio director: The Moon Song.

Premio “Overlook Hotel” a la mejor hostería y/o pozada del año: Grand Budapest Hotel

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La última película de Wes Anderson pareciera ser su trabajo mejor logrado. Decir que Ralph Fiennes protagoniza esta historia sería injusto, porque el verdadero protagonista es el hotel (aunque es fácil caer en el cliché de aseverar que las locaciones estelarizan las películas, pero en este caso es la verdad). La historia que transcurre en tres puntos de la historia de dicho enorme e increíble establecimiento, nos habla del auge y decadencia de una continente completo, todo con una fotografía llamativa como nos acostumbran los trabajos del texano. Con un elenco de lujo en que pasan casi todos sus actores y actrices predilectos, son Fiennes en el rol de M. Gustave y Tony Revolori como Zero, los que hilan esta historia que pareciera nunca tomarse un respiro, con escenas graciosas, emotivas, e incluso de acción. Pareciera que es una película que conjuga todo lo visto en la filmografía de Anderson, pero potenciado. Una imperdible, de la que hemos hablado en más de una oportunidad.

Premio “I am Groot” a la mejor demostración del poderío de Marvel Studios y Mejor uso de la música como personaje: Guardians of the Galaxy

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Seamos honestos, si había una película sobre la cual teníamos dudas respecto al resultado que presentaría, y a como reaccionarían las audiencias ante su concepto era justamente Guardians of the Galaxy, por lejos la apuesta más arriesgada de Marvel hasta entonces.

Pero cualquier duda quedó disipada en el momento en que el Star-Lord de Chris Pratt comenzó a bailar al ritmo de “Come and get your love”, demostrándonos que no había nada de qué preocuparse y que todo estaba bajo control. Guardians of the Galaxy no sólo dejó en claro que las audiencias irán en masa a cualquier producto de Marvel, pero además que incluso los personajes más oscuros y desconocidos, en las manos adecuadas, en este caso, de un director con visión -James Gunn-, una gran escritora -Nicole Perlman-, y un elenco carismático, tienen una oportunidad para brillar. Muchos dudaban y se preguntaban si acaso el concepto de “película de superhéroes” se agotaría pronto, pero la diversificación y la expansión de diversas maneras demuestran que ésto no es una moda, sino que algo que está aquí para quedarse -y si son tan buenas como Guardians of the Galaxy, nadie puede quejarse-. Also, Baby Groot.

Premio “What’s in the box?” a la mejor expresión colectiva de asombro, y a la mayor cantidad de plot-twist: Gone Girl

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La adaptación de Gillian Flynn de su novela del mismo nombre, traía de nuevo a la silla de dirección a David Fincher, esta vez con Ben Affleck y Rosamund Pike en los roles protagónicos. Tras narrar los primeros días de la desaparición de su mujer Amy, Nick debe enfrentar a la prensa y las evidencias cada vez más comprometedoras de que él está detrás del ilícito. Con un ritmo e intensidad como habitualmente nos acostumbra el director, y un trabajo extraordinario de montaje y banda sonora (a cargo de Trent Reznor y Atticus Ross), la película envuelve al espectador en medio del caso, y contiene uno de los mejores plot-twists hechos en la carrera del director de Seven. O sea, es tremendo. Gran estudio de personajes de ambos protagonistas, y una crítica algo ácida a las relaciones de larga duración.

Premio “Mi primer amor” a la historia romántica más desgarradora del año: La vie d’Adèle

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La vie d’Adèle, es la adaptación -bastante libre- de la novela gráfica Le bleu est une couleur chaude (El azul es un color cálido) de Julie Maroh y nos muestra el descubrimiento del amor a través de los ojos de una adolescente y cómo esto repercute en todos los ámbitos de su vida. Fue conocida por la polémica de sus largas escenas de sexo que muchos señalaron que están cercanas a la pornografía, las que el director (Abdellatif Kechiche) ha justificado diciendo que reflejan la intensidad con que Adèle hace todo en la vida (como también la muestra comiendo fideos de manera voraz). Las interpretaciones de las dos protagonista son espectaculares pero Adèle Exarchopoulos (Adèle) es la que se devora la pantalla, haciéndonos sufrir y amar con ella. Ese es el realismo que destaca a Kechiche, quien cuenta con más de 200 horas de grabación, haciéndolas repetir más de 100 veces cada toma y persiguiéndolas con lentes de alto alcance para no cohibirlas y que todo se viera cotidiano. Kechiche ha señalado que su objetivo era ver si es sostenible una historia de amor entre personas de distintas clases sociales, la orientación sexual de sus protagonista nunca fue el tema central para él. Lo cierto es que Adèle nos hizo sentir en primera persona la pena de esa relación que se termina cuando uno no está preparada, cuando es el otro el que dejó de amar y no podemos dar vuelta la página.

Premio “La vida es lo que te sucede mientras estás ocupado haciendo otros planes” a la mejor película del año sobre el paso del tiempo y la familia: Boyhood

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Una de las películas más esperadas del año porque sabíamos que sería algo especial, la historia de la infancia completa de un niño y las personas que lo rodean. Es verdad, no es la primera vez que se muestra a un personaje a lo largo del tiempo, lo hizo mucho antes François Truffaut en varios filmes y también lo realizó el mismo Richard Linklater con la trilogía romántica que comenzó en 1995 con Antes del Amanecer y, claro, ya no dimos cuenta que él tiene una obsesión con el paso del tiempo y el crecimiento pero es una inquietud que nos ha beneficiado a todos al poder vernos representados en la pantalla grande como nunca antes, permitiéndonos ver el paso los años en otros y que se vea tan real como un documental. Boyhood es una máquina de recuerdos guiada por la música que también nos acompañó a nosotros desde 2002 y también los cambios en la tecnología (videojuegos, televisores, celulares) que se sentían tan sutiles mientras sucedían. Es ver cómo envejece una familia y cómo Mason se transforma en alguien con convicciones propias. Es ver triste a tu mamá porque ya no vives con ella, porque ya no dependes de ella. Es darte cuenta que el tiempo pasa y nada volverá a ser como antes. Es un filme sobre la vida de un niño en Texas pero con el que hasta un(a) niñ@ que creció en Santiago se puede sentir identificad@.

Premio “Criar es más difícil con un demonio en la casa”: The Babadook

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Dirigida por Jennifer Kent, en The Babadook tenemos varios elementos conocidos: una viuda, un niño con pocas habilidades sociales y apariencia creepy y una casa tenebrosa y antigua. Todos estos elementos nos parecen más que utilizados en cuanta película de “terror” se nos pueda ocurrir, pero con esta producción australiana cada elemento es potenciado y utilizado de manera distinta a la que estamos acostumbrados.

Un desconocido y encantado libro libera a un misterioso demonio llamado Babadook, el que parece alimentarse de la frágil situación de Amelia, quien por años ha llevado la carga de la muerte de su esposo el mismo día en que da luz a su único hijo, a quien -como pronto nos damos cuenta- se le hace casi imposible amar de manera incondicional. La amenaza de Babadook llega a crear altos niveles de tensión tanto en la vida de Amelia como en las sensaciones de cada espectador, atentos a querer conocer la oscura apariencia del demonio que se ha apoderado de la vida de una viuda y su hijo, además de apoderarse de un lugar en esta lista como una de las mejores producciones del año y como una de las mejores propuestas en el terror que hemos visto en el último tiempo.

Premio “Un día de Furia” y a la mejor película de cortometrajes del año: Relatos Salvajes

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Relatos Salvajes consiste en seis cortometrajes donde sus protagonistas son llevados al límite en situaciones cotidianas. Historia de venganza, descontrol, injusticia, encubrimientos e infidelidad. Todos con el factor común de un protagonista que no se puede contener y lleva sus acciones a un nuevo nivel. No deja de sorprender el hecho de que las seis historias gocen de una calidad similar tanto en guión como actuación y con una cinematografía que nada tiene que envidiarle a un filme estadounidense de alto presupuesto. Lo anterior, provoca que uno no pueda ni pestañar durante todo su metraje. Tienen cortos violentos, dramáticos y otros más cercanos a la comedia. Como es el caso del último, con una novia que pierde completamente el control y que está magistralmente interpretada por Erica Rivas.

Está escrita y dirigida por Damián Szifrón, quien antes de hacer este largometraje estuvo involucrado en muchas series. Además, de ser uno de los creadores de Los Simuladores, una de las mejores series producidas en Argentina.

Premio “Mi cuerpo, mi decisión” para el mejor enfoque que hemos visto sobre el aborto: Obvious Child

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Pocas veces se trata el tema del aborto en pantalla y, cuando se ha hecho, ha tenido una visión totalmente negativa. Incluso en comedias independientes como Juno. Obvious Child se encarga de aclarar que el aborto sí es una opción válida, no es un procedimiento doloroso, las clínicas no son sucias ni dan miedo, que lo hijos no son necesarios para que una pareja se mantenga unida, que no es peligroso y que casi nadie muere en el proceso, no necesariamente va a derivar en una depresión ni en una separación de la pareja, que el precio sí es una barrera importante y que los hombres sí tienen que estar involucrados porque el apoyo es necesario.

Además, cumple la gran labor de presentarnos un personaje femenino complejo y donde sus dilemas en la vida van mucho más allá de conseguir o no un novio. Donna quiere seguir trabajando en comedia, tiene amigos y una buena relación con sus padres. Se siente apoyada por los que la rodean, nadie le hace un desaire por su decisión e incluso su madre le cuenta que pasó por lo mismo cuando estaba en la universidad, cuando todavía los abortos era ilegales en Estados Unidos. Obvious Child fue escrita y dirigida por Gillian Robespierre y es su primer largometraje.

Premio “Ginger Baker” al mejor solo de batería en la historia del cine: Whiplash

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Uno de los tapados del año, que por los palos estaría entrando a la lista final de nominados de los Oscar. Un drama musical con características de película de acción tanto por la fuerza como por la intensidad de la narración. Damien Chazelle se luce en un film que deslumbra con premisas básicas, y por lo mismo logra resultados impensados. La relación odio-odio entre un joven prodigio de la batería y su maestro, tratando de alcanzar sus objetivos personales en una suerte de batalla campal por determinar quién impone sus términos, nos muestra que para hacer una gran película solo se necesita una buena historia, un guión que la sepa contar y un reparto que la interprete. En este sentido, Whiplash cumple con todos los requisitos. Electrizante de principio a fin, el film captura la tensión y obsesión de las vidas de los protagonistas (Miles Teller y el gran J.K.Simmons) de forma magistral a través de un montaje impecable por su dinamismo.

Ganadora en Sundance, tuvimos la suerte de tenerla durante el año en la última edición de SANFIC, siendo una de las atracciones del festival nacional, y se espera estreno comercial en nuestras salas durante los primeros meses del 2015 (dependiendo, claramente, de las nominaciones a los Oscar)

Premio “Mago Valdivia: 9 falso” al blockbuster con vocación reflexiva y a la película no-de-terror que más asusta: Dawn of the Planet Apes

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Después de un primer semestre algo flojo en cuanto a grandes títulos, Dawn of the Planet Apes llega durante el verano norteamericano (o nuestras vacaciones de invierno) para continuar con la saga de precuelas iniciadas el 2011 de la mítica historia de ciencia ficción “The Planet of the Apes”. Cesar, el líder de la camada de simios inteligentes, debe enfrentarse a sus viejos fantasmas con la llegada de humanos  a su tribu. Diversos sucesos darán paso al inicio de una guerra sin tregua entre ambas razas, en medio de la creación de lazos afectivos entre algunos humanos y algunos simios, mientras los más radicales buscan exterminar a su contraparte, ante la necesidad de sobrevivir en un mundo cada vez más duro y hostil.

Siguiendo la línea trazada por su antecesora, que reivindica el legado de la saga tras el bodrio de Tim Burton, Dawn of the Planet Apes combina de forma equilibrada cuotas de acción, suspenso y reflexión, trazando una historia transversal y entretenida, destacando de sobremanera en la creación y articulación de los simios inteligentes encabezados por Cesar interpretado por el gran Andy Serkis.

Un blockbuster oscuro que además propone algunas líneas reflexivas sobre la condición humana, la integración y convivencia en sociedad, etc. Después de esta película, seguramente cuando vayas al zoológico y veas un grupo de simios reunidos, no los encontraras tan tiernos.

Premio “Cine Arte Normandie” a la mejor película chilena-extranjera; dirigida por un chileno nacionalizado en el extranjero; de producción semi chilena; filmada en Chile y de forma no muy chilena, y Premio “Alexis Sánchez” al mayor embajador de Tocopilla en el mundo: La Danza de la realidad.

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Sí, está también en el resumen de lo mejor del año en el cine chileno, pero vale la pena ser mencionada nuevamente. El relato autobiográfico de ficción de la infancia del psicomago Alejandro Jorodowski, es un cúmulo de siutiquerías que si bien pueden hartar al más acérrimo enemigo del enfoque artisshtico-shuuuper-logooo, en su conjunto funcionan de manera bastante particular, construyendo un relato simpático, pintoresco, caricaturesco de nuestra historia país, pero también de una especial belleza.

Más allá de los intrincados recovecos y traumáticos recuerdos del intelectual oriundo de Tocopilla, pero afrancesado por opción, La danza de la realidad realiza un recorrido visual interesante, dando muestra del potencial de nuestros paisajes. El desierto en su más prístina versión sirve de telón de fondo para dar forma a esta historia que nos muestra  la búsqueda constante de Jorodowski por el conocimiento, la verdad, lo bello, etc. desde pequeño, y de paso, relatar la historia de Chile durante la primera mitad del siglo XX a través de las pericias de su padre. Una fuente inagotable de frases para el bronce.

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