Las 25 mejores bandas sonoras de películas independientes el 2014

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Por segundo año consecutivo, Revius se viste de gala para comentar las mejores bandas sonoras del mundo independiente. Al igual que el año pasado (que pueden revisar en este enlace), el criterio que hemos utilizado para considerar una película independiente, y en consecuencia, su banda sonora, es bastante permeable. De manera amplia se incluyen películas de directores desconocidos, del circuito independiente, que no han sido apoyadas por grandes casas productoras, y cuya circulación se produce principalmente en festivales y no en salas comerciales.  Mañana se publicaran las 25 mejores bandas sonoras de películas comerciales, lo que significa que pondremos 50 bandas sonoras (y otras sorpresas) a su disposición, en lo que ha sido un gran año en lo que a música se refiere. Los invitamos a comentar y participar.

OnlyLoversLeftAlive1. Only Lovers Left Alive. Director: Jim Jarmusch. Compositor: Jozef Van Wissem.

Jim Jarmusch siempre ha llamado la atención por la excelente música que presenta con sus películas. Sin ir más lejos, este año hablamos de Dead Man (música de Neil Young), aunque yo siempre destaco la increíble selección musical tras Broken Flowers en 2005. “Only Lovers Left Alive” fue presentada en Cannes 2013, donde fue premiada con el mejor soundtrack. En Chile fue presentada en SANFIC del mismo año, pero su estreno comercial fue apenas en abril del 2014. La banda sonora de “Only Lovers Left Alive” se estructura en música de SQÜRL, banda del mismo Jim Jarmusch, pero principalmente en canciones donde suena un laúd, escritas por el increíble Jozef van Wissem. La mezcla de ambas es la perfecta compañera de esta historia de vampiros ambientada en un oscuro Detroit y un misterioso Tanger. Esta separación geográfica es la que divide temática y gráficamente los discos. De Tanger lo mejor son ambas versiones de “Sola Gratia”, y del mundo underground de Detroit “The Taste of Blood”, aunque lo mejor del disco es la que tiene el mismo nombre de la película: “Only Lovers Left Alive”.

UnderTheSkin2. Under the Skin. Director: Jonathan Glazer. Compositora: Mica Levi.

Un proyecto bastante difícil de digerir el de Jonathan Glazer, que acaparó buenas críticas por los expertos, pero una fría recepción de los telespectadores. Scarlett Johannson interpreta a una extraterrestre que seduce a los humanos, en escenas que pueden tener poco de terror, pero están llenas de suspenso. La música de Mica Levi (Micachu & The Shapes) aporta todo en este sentido, y memorable es su canción de amor (“Love”) que suena en la escena sexual entre el humano y la extraterrestre. El soundtrack de “Under the Skin”, a fecha de hoy, es el “caballo” más desconocido de cara a los candidatos a premios a mejor banda sonora del año.  Ya son varios los sitios de expertos que recomiendan echarlo un ojo. Sus resultados prácticos dependerán, lógicamente, de cuán dispuestos estén la Academia y las otras instituciones a apoyar un soundtrack tan alternativo. El trabajo funciona perfectamente, en todo caso. Les recomendamos además la tensión de “Lonely Void”, tema principal que se replica perfectamente también en “Death”.

Whiplash

3. Whiplash. Director: Damien Chazelle. Compositor: Justin Hurwitz.

Sin dudas en la proyección de “Whiplash” dos canciones destacan con luz propia en la trama. “Whiplash” de Hank Levy y “Caravan” de Juan Tizol y Duke Ellington, que son las canciones que el prodigio baterista Andrew Neiman (Miles Teller) ejecuta para la banda de Terence Fletcher (J.K. Simmons). Sin embargo, la banda sonora que a partir de ellas construye Justin Hurwitz es una obra maestra que dará vueltas por mucho tiempo. En especial recomendamos “Overture”, “Accident”, “When I Wake”, aunque volvemos a señalar que se trata de un disco en suma notable. Se trata de la película independiente del año. Ganadora de Sundance y la gran carta del SANFIC recién pasado, recuerden leer en este link la crítica de Víctor, pues “Whiplash” no sólo deja (y por montón), buena música. Se trata de una película con actuaciones memorables, y que tienen a J.K. Simmons como el gran candidato a ganar el Óscar a mejor actor de reparto este año. Dato para el cierre: es muy interesante que un soundtrack de jazz con tanta percusión aparezca tanto en la lista de soundtracks independientes como sucederá mañana con las comerciales (“Birdman”).

Frank

4. Frank. Director: Lenny Abrahamson. Compositor: Stephen Rennicks.

Stephen Rennicks tiene trabajo doble en “Frank”. No sólo compone la música incidental de la película, sino también la que interpretan “The Soronprfbs”, el grupo de música alternativa que lidera Frank, el enigmático vocalista que sube al escenario con una impresionante máscara de papel maché y que interpreta perfectamente Michael Fassbender. La emoción con que el actor interpreta la canción final “I Love You All” y la forma en que se integra el resto de la banda es realmente notable. Pero no sólo podemos quedarnos con eso. Las canciones de The Soronprfbs son bastante únicas en cuanto a letras y sonido, y eso permite, en la trama, que sean un fenómeno en redes sociales. Disfruten “Lay an Egg”, “Creaky Doors” y “Secure the Galactic Perimeter”. Una película que deben ver para disfrutar y reírse con lo absurdo de las escenas, como cuando Frank como la ridícula canción más agradable de la historia. Nuestros reconocimientos a Michael Fassbender nuevamente, sin quien, el proyecto de “Frank”, habría sido totalmente imposible.

TheDanceOfReality5. The Dance of Reality (La Danza de la Realidad). Director: Alejandro Jodorowsky. Compositor: Adanowsky.

23 años se hizo esperar Alejandro Jodorowsky, uno de los directores de culto del mundo del cine. Como siempre, la música de sus películas dio que hablar. Esta vez no fue Alejandro quien compuso el soundtrack del largometraje donde cuenta su infancia en Tocopilla. Se trata de su hijo Adán, más conocido como Adanowsky, quien tomó los instrumentos en sus manos.  El menor de la nueva generación de Jodorowsly’s (donde también destaca el protagonista del film, Brontis) sin duda fue capaz de musicalizar de manera perfecta la infancia de su padre en una pequeña ciudad del desierto donde era casi un extranjero (“Clowns” y “Shoes Dance” para estos efectos). Además, logró captar con su música todas esas escenas de psicomagia que decoran la película, como la increíble aparición de “Los Mineros”. El resultado fue tan interesante, que dedicamos una columna completa a hablar de este soundtrack, que pueden revisar en este link, donde además redimimos el trabajo en pantalla de quien personifica a la madre de Jodorowsky, Pamela Flores, y sus impresionantes interpretaciones líricas.

716. ’71. Director: Yann Demange. Compositor: David Holmes.

En la pequeña sala UC, el último día de SANFIC, se presentó “ ’71 ” en Santiago. Una increíble película de Yann Demange, donde acompañamos a un soldado británico extraviado tras líneas enemigas en Belfast en medio de supuestas operaciones humanitarias. Hay dos temas principales en la música de David Holmes a mi juicio. El primero está marcado por esa guitarra cuando llegan a Irlanda, donde lo que más impresiona es la juventud de los soldados que van al frente. El segundo tema musical es mucho más electrónico y distorsionado. La extrema supervivencia de Gary Hook (Jack O’Connel) y las ayudas menos pensados, en una Belfast disputada entre las fuerzas del IRA y los adherentes al régimen británico. Lamentablemente la versión de Spotify no divide el tracklist, por lo que nos vemos en la obligación de poner el disco completo en nuestro playlist. En lo personal, estoy a la espera que llegue desde Reino Unido para poder hablar de él con muchas precisión. Hasta entonces, se ven en la buena necesidad de escuchar todo el trabajo de Holmes.

McCanick7. McCanick. Director: Josh C. Waller. Compositor: Jóhan Jóhannsson.

Estrenada el 21 de marzo de este año, y con muy poco tiraje, “McCanick” puede ser la película con peor crítica de esta lista. Muy injusto, a mi parecer, pues con muy poco, el director Josh C. Waller es capaz de entregarnos una interesante historia de detectives que da una voltereta inesperada en las escenas finales, donde el guión muestra toda su potencia. Luego de “Prisoners” (destacado dentro de los soundtracks independientes el 2013), Jóhann  Jóhannsson, compositor de Islandia, parece haber dado el salto definitivo a Hollywood. Todavía le faltaba un golpe comercial, pero “McCanick” ayuda a seguir construyendo camino. Se trata de un soundtrack donde destaca con luces propias “Simon’s Theme”, aunque la mayoría de sus canciones son memorables (“McCanick” y “Morning Workout” especialmente). Vale la pena recuperar este trabajo de Jóhannsson, en especial porque tras la banda sonora de “The Theory of Everything” a finales del 2014, su nombre pasó a ser mucho más reconocido. Revius se pone como objetivo traer este y otros trabajos del sueco a futuro, pero insistimos que vean  una película que sin dudas debe ser recordada como algo más que la última de Cory Monteith (Glee).

Locke8. Locke. Director: Steven Knight. Compositor: Dickon Hinchliffe.

Otra que vimos gracias a SANFIC es “Locke”. La música de Dickon Hinchliffe (Tindersticks) es el complemento perfecto a los cambios emocionales de Ivan Locke, interpetado por un Tom Hardy irreconocible físicamente y sacándose todos los prejuicios que quedan respecto de él (si es que todavía alguien tiene unos). La confesión con su mujer, la rabia contra la figura imaginaria de su padre, la decepción de su jefe, y la desesperación del subalterno, todo, bajo el manto de la música bastante minimalista de Hinchliffe, quien tuvo un breve paso por bandas sonoras anteriormente con su banda en “Les Salauds”. Este disco se puede volver el mejor copiloto a un viaje nocturno, como lo fue en el viaje-transformación de Locke. Les recomendamos “Ivan Locke” (algo así como el tema principal), “Confession”, “Closing Roads” y “Not your home”, en una película que necesariamente se apoya en mucho talento. Talento de Steven Knight, talento de Dickon Hinchliffe, y por sobre todo talento de Tom Hardy, que ya es un maestro, dicho sea de paso.

WolfCop9. WolfCop. Director: Lowell Dean. Compositor: Shooting Guns.

El sello One Way Static (de origen belga y dedicado exclusivamente a bandas sonoras) sorprendió a todos en el MondoCon de este año lanzando el soundtrack de una película canadiense independiente llamada “WolfCop”. Al escuchar el disco de Shooting Guns, todo hizo sentido.  Se trata de una banda sonora moderna, dominada por increíbles riffs de guitarra eléctrica, que se transforma en la composición musical perfecta para una película policial única que te mantiene constantemente atraído pese a lo absurdo que puede sonar el guión a priori (un policía que es hombre-lobo). Un disco sin bajos que no teme en adentrarse (permeando como el WolfCop) en géneros musicales tan difíciles como el jazz, el cual logran presentar de una forma bastante interesante.  Les dejamos recomendadas “Spy in the Sky” (un claro homenaje a Dirty Harry), “Suda” y “Burchard von Worms”, quizás la más distinta de un disco donde la variedad es virtud.

Homesman10. The Homesman. Director: Tomy Lee Jones. Compositor: Marco Beltrami.

“The Homesman” fue la película que más me costó decidir respecto a qué categoría ubicarla (independiente/comercial). Finalmente, por su estreno en Cannes y por su limitada circulación en Estados Unidos, además de ser la primera película dirigida por Tommy Lee Jones en mucho tiempo, hemos decidido considerarla como independiente. Marco Beltrami, el compositor, parece tener un doctorado ya en westerns. Luego del éxito de “3:10 to Yuma”, Beltrami vuelve a musicalizar una increíble historia norteamericana del oeste en “The Homesman”. El disco evoluciona tranquila pero progresivamente. Por eso, el cierre, es lo más destacado. La llegada de Briggs al pueblo (“Entering Town”) y la salida de él (“Briggs Leaves”) son las que más destacamos. Se preguntarán por qué no ocupa un lugar más alto en nuestro ranking. La respuesta es simple. Hay un tema (que aparece de entrada en “Main Tittle”) que es idéntico a otro de una película anterior que no pudimos acordarnos (¡seguimos trabajando para usted!).

Double11. The Double. Director: Richard Ayoade. Compositor: Andrew Hewitt.

Puede no gustarte la adaptación que Richard Ayoade (Submarine) realizó del libro de Dostoyevsky. Personalmente, creo que nada puede igualar uno de los libros más psicológicos que he leído en mi vida, pero Ayoade entrega un facsímil bastante razonable de él. En todo caso, la banda sonora de Andrew Hewitt es extraordinaria, y debe sobresalir ante todo. La música, centrada en violines y cuerdas, refleja la desesperación tan bien como en el libro, todo gracias a una increíble actuación de Jesse Eisenberg, quien nos entrega su mejor papel desde The Social Network. SANFIC presentó la película dentro de la categoría “Visiones del Mundo”, y hasta fecha de hoy, es muy poco probable que llegue a alguna sala nacional. Por eso les recomendamos verla  y disfrutar de un soundtrack de altísimo nivel, dentro del cual, las mejores, son “The Double Theme (Version 1)”, “You’re not meant to be here” y “I’m a ghost”. Ojo también con la interesante selección musical de material preexistente por Ayoade.

ColdInJuly12. Cold in July. Director: Jim Mickle. Compositor: Jeff Grace.

El éxito de la banda sonora de “Cold in July” fue tal, que el sello Milan Records ha decidido lanzar una edición de vinilo a solicitud de los fanáticos, algo muy excepcional para un film de tan poca circulación. Se trata de la música de Jeff Grace, quien fuera asistente de Howard Shore anteriormente, y quien logra añadir una nota de suspenso y tensión musical de los 80’s a un film ambientado en 1989, y cuya trama toma vuelo con cada minuto que vemos en pantalla (quien era víctima pasa a ser victimario, y esto es poco). El uso de sintetizador con notas muy de Carpenter es lo que se agradece como pueden ver en “Whole Lot Like You” y “Official Protection”. La mezcla de este instrumento con el piano en “Father and Son” (la mejor, en mi opinión), funciona de forma perfecta. Un disco interesantísimo y que hizo que nosotros, los miembros del foro Spin The Blackest Circles, nos sintiéramos poderosos otra vez. Gracias Milan Records por favor concedido.

GodHelpTheGirl13. God Help The Girl. Director: Stuart Murdoch. Compositor: God Help The Girl.

Parecía lógico que “God Help The Girl” tuviera un buen soundtrack. Dirigida por Stuart Murdoch de Belle & Sebastian, “God Help The Girl” era a la vez el proyecto alternativo que lanzó el 2009 acompañado de muchas voces femeninas. La película del 2014 recoge parte de ese material y entrega también otro nuevo, volviéndose un interesante musical que fue presentado en nuestro país en el Festival In-Edit, pero que además tuvo pasos por Berlín y Sundance. El soundtrack está marcado por la increíble voz de Emily Browning, quien forma parte (en la historia) de la banda llamada igual que el largometraje. En cuanto al playlist, la canción “God Help The Girl” dista mucho de ser la mejor pero deben escucharla. Yo en lo personal me quedo con la interpretación del elenco (además de Browning, Olly Alexander y Hannah Murray), quienes se lucen en “The Psychiatrist Is In” y  “Pretty When The Wind Blows”. ¡Ojo con el increíble piano de “Invisible”, que aparece bajo muchos diálogos! En resumen, una gran banda sonora ejecutada por los mismos actores.

TimsVermeer14. Tim’s Vermeer. Director: Teller. Compositor: Conrad Pope.

Ganador del premio a la mejor banda sonora en un documental según la asociación de críticos de películas, el trabajo de Conrad Pope es tan delicado como lo eran los cuadros de  Johannes Vermeer. En este increíble documental acompañamos a Tim Jenison, un inventor moderno quien está seguro de poder demostrar que los increíbles cuadros que Vermeer pintaba cerca del año 1600 (y que redefinieron el arte por entonces) respondían a la aplicación de técnicas de lentes ópticos que justificaban tal nivel de detallismo. Si Jenison estaba en lo cierto, una persona común y corriente podría ser capaz de pintar un Vermeer.  El descubrimiento del potencial de su técnica (“Painting the father in law”), la reconstrucción de la pieza de Vermeer y la canción con la que Tim pinta (“Vermeer’s Theme” y “Tim Pains”) es lo que les recomendamos en este documental que aboga por un reencuentro entre arte y ciencia, dos conceptos que parecen estar a kilómetros de distancia. Vermeer y Jenison parecen haber demostrado lo contrario con 5 siglos de diferencia.

BigBadWolves15. Big Bad Wolves (Título original: Mi mefakhed mehaze’ev hara). Directores: Aharon Keshales and Navot Papushado. Compositor: Frank Ilfman.

Quentin Tarantino dijo que “Big Bad Wolves” era la mejor película de 2013. Por eso, con expectación esperamos su estreno durante enero, pese a que todo comentario o anuncio que Tarantino realiza debe ser tomado con extrema mesura. El resultado fue decepcionante, pero algo muy destacable en esta película de Israel fue la banda sonora del también israelí Frank Ilfman, que entre distintos premios, fue elegida como la mejor música de 2013 en los premios Saturn, derrotando distintas producciones de Hollywood. A sus espaldas acumula además el premio a la mejor banda sonora por la Academia Israelí de Cine. No pueden dejar de escuchar el tema principal (“Big Bad Wolves Main Theme”), cuya esencia cruza toda la película, y “The Chase” (dentro de muchas buenas canciones de persecución). La lección del año es hacerle caso a Tarantino pero sólo a medias, parece, y no soy el único que le cree. “Big Bad Wolves” era buena pero de una forma muy condicional.

Boxtrolls16. The Boxtrolls. Directores: Graham Annable and Anthony Stacchi. Compositor: Dario Marianelli.

“The Boxtrolls” es la primera película de los estudios Laika sin Jon Brion como compositor, tras los relativos éxitos de ParaNoman y Coraline. Es además la primera película animada para Dario Marianelli (Atonement), por lo que alguna sorpresa nos íbamos a llevar. El resultado parece positivo. En su nueva faceta, el músico italiano rescata el trabajo subterráneo de los trolls que visten cajas (“The Boxtrolls Cavern”), el estilo francés de Cheesebridge (“One Busy Night” y “Say Cheese”) y al multifacético Archibald Snatchet (“Allergic” y “The Boxtrolls Song”).  En todas ellas la elección instrumental es muy narrativa, en especial el acordeón, algo tan francés como el queso. Lo mejor del disco puede ser “Quattro Sabatino”, la canción en italiano que Egg escucha con Fish en el tocadiscos, para la cual Marianelli recurrió a Peter Harris, Alex Tsilogiannis, Thomas Kennedy y Edmund Saddington. Todo muy interesante en una película stop motion que tiene pocas cosas para niños.

TheGuest17. The Guest. Director: Adam Wingard. Compositor: Steve Moore.

Con “The Guest” tenemos un problema casi de objeción de conciencia. De una u otra forma, me siento obligado a incluirla en el listado, pues es una producción en los cierres de año que hemos consultado. “The Guest” es sin dudas la película más débil del listado, pero comercialmente tuvo un éxito interesante y su soundtrack ha dado mucho que hablar. Se trata de un largometraje muy pensado para el mercado gringo y que tiene muchas referencias al trabajo realizado por Nicolas Winding Refn hace unos años con “Drive” (el rosado de la portada no es casualidad). La banda sonora electrónica de Steve Moore, que aún no ha sido lanzada comercialmente, se complementa perfectamente con el grupo de canciones electrónicas que aparecen en la película, donde destaca la banda Survive. Mucho sintetizador y sabor a Cliff Martinez, a fin de cuentas, y algo tan deliberadamente parecido a un resultado exitoso no se puede premiar con un buen puesto. Si hasta el actor principal tiene un aire a Ryan Gosling, ¡dense cuenta!

StVincent18. St. Vincent. Director: Theodore Melfi. Compositor: Theodore Shapiro.

Bill Murray en su máximo nivel es el legado de “St. Vicent”. Una película muy bien lograda donde fundamental se vuelve la actuación de Jaeden Lieberher, un niño de 12 años que casi se roba por completo la pantalla. Theodore Shapiro es capaz de musicalizar perfectamente los mundos opuestos de esta historia. La bella pero difícil infancia de Oliver (Lieberher) se refleja en “Interviews” y “Lon Walk Home”. Por su parte, la vida solitaria y nada excepcional de Vicent (Murray) aparece con todo en el increíble piano de “To the moon” y la asbtracta “Stroke”. Es precisamente el piano el instrumento que más se recuerda luego de ver la película, por eso les recomendamos “Be Good”  y “Fresh Crab”. Musicalmente, también fue lanzado un disco donde se incluye toda la música que Vicent escucha en la soledad de su casa, y que define claramente su personalidad.  No se sorprendan si “St. Vincent” se roba varios de los premios de los críticos, en especial todos los relativos a la actuación. Se estrena en nuestro país este verano, y vale la pena verla.

TheZeroTheorem19. The Zero Theorem. Director: Terry Gilliam. Compositor: George Fenton.

“The Zero Theorem” debe ser la película más difícil de seguir, al menos en lo que a trama se refiere, de este listado. La nueva producción de Terry Gilliam trae a Christoph Waltz como un programador moderno, que obtiene, luego de mucho pedirlo, su licencia de invalidez para trabajar desde su casa. ¿El motivo? Espera estar cerca de su teléfono en caso que llegue una llamada que le cambie la vida. La música de George Fenton es extraordinaria en la forma que muestra este mundo moderno (“Joby’s, Pt. 1” y “Joby’s Pt. 3”), en la forma que trabaja el suspenso (“The Mainframe”, “Q Loses It”), y la forma en que presenta la soledad y locura del personaje de Waltz (“The Zero Theorem (Main Tittle)”, “Beach romance”, “There’ll be no call”, “Bainsley Leaves”). El cover de Karen Souza de la canción “Creep” de Radiohead, y que aparece en todas las escenas donde Waltz busca contacto con mujeres, es una excelente inclusión, y que deben incorporar inmediatamente a sus reproductores de música. “The Zero Theorem” sirve para demostrar que Waltz es el mejor actor de esta generación, además.

PaloAlto20. Palo Alto. Director: Gia Coppola. Compositores: Devonté Hynes y Robert Schwartzman.

Gia Coppola extendió el trabajo que hace unos años había realizado James Franco en su corto del mismo nombre en “Palo Alto”. Para plasmar esta interesante historia de adolescentes, era necesario un soundtrack bastante atrevido, y el equipo de producción lo logra con la banda sonora de Robert Schwartzman y Devonté (Dev) Hynes. Del primero destacamos “Futbol Americano” (que alguien explique el nombre) y “Graveyard”, mientras que del segundo, quien en definitiva es el compositor central de la banda sonora, “Palo Alto” y “Apri’ls Daydream”. ¡Finalmente Dev Hynes tiene un soundtrack por el cual ser reconocido transversalmente en Estados Unidos! En cuanto a la película, en “Palo Alto” las actuaciones son buenas hasta el desagrado, aunque quienes no somos norteamericanos volvemos a sentir esa desagradable sensación de sentir sus problemas y formas de relacionarse socialmente como totalmente ajenos. Si podemos criticar algo, el sabor que deja el soundtrack al ver la película es mucho mejor que el queda al escuchar el disco.

Enemy21. Enemy. Director: Denis Villeneuve. Compositor: Danny Bensi & Saunder Jurriaans.

Denis Villeneuve fue capaz de darnos 2 películas notables el último tiempo, y poco a poco, se comienza a volver uno de los directores favoritos de Revius. Primero fue “Prisoners” (con una muy buena banda sonora de Jóhann Jóhannsson que ya hemos mencionado hoy) y luego fue “Enemy”, el drama que se inspira en la novela “El hombre duplicado” de José Saramago. La banda sonora está a cargo de Danny Bensi y Saunder Jurriaans, quienes fueron capaces de lograr perfectamente el ambiente de desconcierto y miedo que rodea al personaje de Jake Gyllenhaal (cada día mejor actor), un profesor Universitario bastante retraído que se encuentra, viendo una película, con una persona exactamente idéntica a él. Escuchen precisamente esto en “Motel double – realization”, “The Switch”, “Soft Revenge” y “Theraphosa Blondi”. Nunca está demás iniciarse en la filmografía de Villeneuve. Musicalmente se sacan muchas lecciones. Sus 2 últimas producciones han tenido bandas sonoras originales increíblemente interesantes, y de ello ha sacado mucho rédito.

Blue Ruin22. Blue Ruin. Director: Jeremy Saulnier. Compositores: Brooke Blair y Will Blair.

En muy poco tiempo,  “Blue Ruin” se ha transformado en una película de culto gracias al boca a boca. Es algo muy parecido a lo que ya comentamos con “Cold In July”. Pero lo que el público recomendó fue la película, la cual, tras su paso por Cannes, fue muy elogiada en especial por su estética y dirección. Así, muy desapercibido pasó el soundtrack de Brooke y Will Blair hasta que Blackest Rainbow Records decidiera lanzar una edición ultra limitada en vinilo a finales de año. Muchos descubrieron que debajo de la capa de esta película de venganza, yacía un soundtrack exquisito, que merece todo reconocimiento. Nosotros recomendamos “Night Walk / The Decision”, “Home Invasion” y “East Hundred”. Lo increíble de “Blue Ruin” es que Jeremy Saulnier fue capaz de captar mucho dinero antes de comenzar a grabar para financiar su proyecto en una de las páginas fundsraising. Al parecer, hay una química increíble entre “Blue Ruin” y el público. Lástima que el soundtrack no esté disponible en Spotify para incorporarlos en la lista de seguidores (pueden escucharlo en este enlace, en todo caso).

PossibilitiesAreEndless23. The Possibilities are Endless. Directores: Edward Lovelace y James Hall. Compositores: Edwyn Collins, Carwyn Ellis y Sebastian Lewsley.

Una película que esperábamos en este In-Edit era “The Possibilities are Endless”.  Se trata de un documental musical basado en la vida de Edwyn Collins, músico escocés líder de Orange Juice que tuvo sus 15 minutos de fama gracias al éxito radial “A Girl Like You”, y quien sufriera un derrame cerebral el 2005 que le afectara gran parte de sus recuerdos y en especial su forma de comunicación. Casi mágicamente, una de las pocas frases que pudo decir entonces, junto a sí, no, y el nombre de su esposa, era que las posibilidades eran infinitas. Musicalizado por el propio Collins, además de Carwyn Ellis y Sebastian Lewsley, la música de “The Possibilities are Endless” entrega belleza desde una increíble tragedia. Nos quedamos con la música experimental de la primera parte del documental, donde todo es más abstracto que concreto, y donde sólo escuchamos a los narradores acompañados de increíble fotografía.  Por eso nos recomendamos “Leviathan”, “One Note Wonder, Pt. 1”, “Quite Like Silver” (en su versión de piano) y “Closing Time at the punk rock hotel”.

AlbumArt24. El vuelo de los Cuervos. Director: Cristían Toledo. Compositor: Sebastián Marín.

Otra banda sonora chilena aparece en nuestro listado, y no nos cansaremos de decirlo. El soundtrack de Sebastián Marín poco y nada tiene que envidiarle a grandes producciones norteamericanas. Estructurado bajo 3 temas musicales importantes basados en los 3 personajes principales (Samuel, Raúl y el Cuervo), “El vuelo de los Cuervos” fue el gran descubrimiento del año en lo que a producciones nacionales se refiere. Todos los temas se impregnarán mutuamente, en una película donde cuesta definir quién es victimario, quién es víctima y quién es héroe. Cuando comentamos la banda sonora en extensión, alabamos la decisión de musicalizar Santiago (“SCL”), así como la transformación musical del personaje de Raúl y la irrupción del Cuervo como arma de violencia. Yo en lo personal me quedo con la potencia de “Término”, el cierre potente de una película nacional con estándares internacionales en todo sentido. Pero el soundtrack de “El Vuelo de los Cuervos” está lleno de piezas que conviene siempre rescatar, por lo que los invitamos a escucharlo y leer en extenso de él en el siguiente enlace.

Sleepwalker25. The Sleepwalker. Directora: Mona Fastvold. Compositores: Sondre Lerche and Kato Adland 

Un thriller intensamente psicológico es “The Sleepwalker”, otra película que tuvo su estreno en Sundance.  Mucho de ello lo debe a la banda sonora de Sondre Lerche y Kato Adland, quienes transforman muchas escenas inocuas  en extremadamente tensas. Ejemplo de ello es la tensión que aportan los instrumentos punsantes en la búsqueda de Christine (“Search”), misma tensión que observamos antes en la escena de masturbación y la incapacidad de sacar de trance a los sonámbulos (“Masturbation”). También destacamos la musicalización del lago cerca de la casa donde se hospedan. El guión de la noruega Mona Fastvold puede atraparte desde un comienzo, pero también puede expulsarte. Si no enganchas con “The Sleepwalker” con la primera escena, luego no lo harás. Un film sobre traumas como heridas que nunca cerraron. Dos recuerdos distintos de los mismos hechos, te recomendamos estar atento al más mínimo detalle y simbolismo. Ojo. The Sleepwalker, personalmente, debe ser la caratula más bien lograda del listado. Un trabajo de arte muy serio.

BONUS TRACKS.

LP packshot

American Interior. Directores: Dylan Goch y Gruff Rhys. Compositor: Gruff Rhys.

No es técnicamente un soundtrack, estamos de acuerdo. Pero la creación del disco “American Interior” de Gruff Rhys (Super Furry Animals) fue plasmada en el documental del mismo nombre que tuvimos la ocasión de disfrutar (literalmente) en el recién pasado festival In-Edit Nescafé.  Premiado como el mejor documental en la edición de Barcelona, Rhys nos comentará la aventura de su antepasado John Evans, interpretado por un muñeco, quien era un galés que partió en 1800 hacía las lejanas tierras de América en búsqueda de una supuesta tribu de nativos que hablaban galés, lo que se explicaría en un supuesto primer viaje del príncipe Madoc en 1170. Las canciones del disco son precisamente lo que Rhys descubre y narra en pequeños conciertos de forma muy cómica. Recomendamos en especial la canción “American Interior”,  “100 unread messages”, “Lost Tribes” y “Liberty (Is where we’ll be)”, en un documental que termina convirtiéndose en una clase maestra de estética, buen gusto y diversión. Pueden leer respecto de este documental en este enlace.

Chef

Chef. Director: Jon Favreau. Supervisor musical: Mathieu Schreyer.

Nos costó mucho dejar a “Chef” fuera de nuestro listado, en especial porque lo hacemos en base a reglas que nosotros mismos nos auto impusimos: desde un comienzo juramos evitar, en lo posible, hablar de soundtracks que se articulan en base a recopilaciones de grandes éxitos. Pese a ello, lo excelentemente cómica que es “Chef”, y el rol que juega la música en ella, nos obligan a dedicarle aunque sea unas pequeñas palabras finales. Jon Favreau dirige y protagoniza esta película donde personifica a un chef que se ve obligado a dejar su puesto de trabajo y reinventarse como vendedor de comidas en un carrito luego de una negativa crítica gastronómica en su contra. Se trata de un road trip donde la música fue elegida y supervisada por Mathieu Schreyer. A él debemos este verdadero festín multicultural y gastronómico que nos damos por todo Estados Unidos. Vistiando Florida, Louisiana, Texas y California, recogemos lo mejor de la música de cada sector y sus influencias migratorias, gozando de muchos géneros musicales, excelente fotografía y actuaciones muy cómicas (¡Robert Downey Jr.!)

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