Las 25 mejores bandas sonoras de películas comerciales el 2014

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Luego de comentar las 25 mejores bandas sonoras de películas independientes el 2014,  llegó el tiempo de hablar de películas comerciales. En este segmento, el año que nos deja tiene un sólo nombre: Alexandre Desplat. Por segundo año consecutivo entregamos nuestro ranking de las mejores bandas sonoras de películas comerciales (pueden ver el año anterior acá). Dentro del listado (que aumenta de 15 a 25 títulos) destaca el nombre del compositor francés, quien nos entregó 4 trabajos de una calidad increíble que merecen ser reconocidos (Gran Hotel Budapest, Imitation Game, Unbroken y Godzillla). De todas formas, Desplat no fue capaz de asegurarse el primer lugar. La disputa cerrada se dio entre Gone Girl (de Trent Reznor y Atticus Ross) con Interstellar (de Hans Zimmer). Los invitamos a ver el resto de los títulos de la lista a continuación.

GoneGirl1. Gone Girl. Director: David Fincher. Compositores: Trent Reznor & Atticus Ross.

La banda sonora de “Gone Girl” es la mezcla perfecta entre dos proyectos anteriores de Fincher y Reznor/Ross, pues sabe mediar entre la intensidad y ritmo de The Social Network (en especial “Technically Missing”)  y el estilo más ambiental y retirado de The Girl with the Dragon Tattoo. Es un disco casi sin ningún altibajo. Reznor y Ross pueden volver a dar las sorpresas en los distintos premios. Lo más importante para ellos, en todo caso, es que han vuelto a la primera plana. Su soundtrack se complementa perfectamente con una fotografía única y un guión que te deja exhausto.  Lo mejor del disco puede estar en su inicio (“What have we done to eacht other”, “Sugar storm” y “Empty Places”), aunque recomendamos también la sección media donde comienza a desenredarse esta increíble trama (“Clue One”, “Like Home”). Recuerden además escuchar el Podcast que nuestro equipo dedicó en extenso a la que es, a mi juicio, la película del año.

Interstellar

2. Interstellar. Director: Christopher Nolan. Compositor: Hans Zimmer.

Hans Zimmer sorprendió al mundo construyendo (a petición de Nolan), una banda sonora íntima que se estructura en el abandono que realiza un padre (Cooper) respecto de su hija (Murph). Cuando todos esperábamos una música más acorde a esta epopeya espacial, la propuesta de director y compositor es un relato mucho más personal de esperanza, aunque son innegables las referencias musicales a 2001, Odisea al Espacio. “Stay” es la prueba clara del grito de auxilio de Murph para que su padre no la deje. Éste, en cambio, decide aventurarse en un viaje con poco probable retorno. Su espíritu aventurero cruza todo el disco partiendo con “Cornfield Chase”. El disco es tan notable que revisamos la banda sonora en extenso, lo que pueden leer en este enlace. De todas formas agregamos a nuestra lista de Spotify otras canciones claves como “Coward” y “Detach”. Recuerden que nuestro equipo también comentó en extenso lo nuevo de Nolan en el siguiente Podcast.

Theory

3. The Theory of Everything. Director: James Marsh. Compositor: Jóhann Jóhannsson.

“Theory of Everything” fue un desafío musical monumental. Distintas emociones (nacimientos, enfermedad, matrimonios) en distintas épocas (60’s, 70’s, 80’s, 90’s), es lo que se tenía que enfrentar el compositor que decidiera musicalizar esta historia. El elegido fue Jóhann Jóhannsson, quien decidió optar por un instrumento que fuera capaz, por su precisión, de cruzar todas estas barreras. Encontró el piano, y en virtud de él pudo construir la banda sonora que constituye su salto definitivo al reconocimiento global que le entrega un blockbuster de Reino Unido o Hollywood. El tema principal del disco es recogido en plenitud en “Domestic Pressures”. Tema menores pero igual de importantes son “Cambrige, 1963”, “Forces of Attraction” y “A Game of Croquet”, aunque nosotros nos quedamos con “A model of the universe”, cuando Stephen puede en definitiva retraer el tiempo y darse cuenta lo feliz que ha sido su vida, pese a todo. Recuerden que Jóhannsson también apareció en nuestro ranking de bandas sonoras independientes por su trabajo en “McCanick”.

GrandBudapestHotel4. The Grand Budapest Hotel. Director: Wes Anderson. Compositor: Alexandre Desplat.

Como decíamos, el año de Desplat fue absolutamente redondo, y “The Grand Hotel Budapest” fue su trabajo más descollante este 2014. La música del francés logró replicar de forma increíble la aventura de este fantasioso hotel de Europa del Este, dando canciones frescas e increíbles para los personajes principales, como “Mr. Moustafa” y “A prayer for Madame M.”. Cuando la película empieza a tomar ese ritmo vertiginoso por el desenlace, Desplat entrega lo mejor de la banda sonora. Hablamos de de “Escape Concerto” y “Canto at Gabelmesiter’s Peak”. Puede ser la consagración definitiva en galardones de un compositor que ha sido nominado en innumerables ocasiones, pero que no puede encontrar su pieza consagratoria. Pueden revisar nuestra crítica completa a esta increíble banda sonora del film de Wes Anderson en este enlace. A su favor juega la mayor difusión: no tuvo película que le hiciera sombra durante el primer semestre.

ImitationGame5. The Imitation Game. Director: Morten Tyldum. Compositor: Alexandre Desplat.

Si bien es difícil hablar de la película de Morten Tyldum porque aún no ha sido estrenada en nuestro país (la próxima semana podremos ver su premiere en el Festival Wikén), mucho podemos decir del trabajo de Alexandre Desplat, quien en definitiva, tiene 2 de los 5 mejores soundtracks del año. Instrumentalmente Alan Turing es presentado de forma muy misteriosa, abarcando, por un lado, su increíble capacidad intelectual, y por el otro, los problemas en cuanto a la aceptación de su condición sexual (“Alan”) en la época en que vivía. “The Imitation Game” es el tema principal que cruza transversalmente el disco, aunque les dejamos para que escuchen “U-Boats” y “Farewell to Christopher”, dentro de un disco donde (casi) todo es muy bueno. La partitura de Desplat es perfectamente ejecutada por la London Symphony Orchestra, por lo que debemos reconocer el miedo que tenemos a que tengamos que cambiar este listado después de verla.

Birdman6. Birdman or (The Unexpected value of Ignorance). Director: Alejandro González Iñárritu. Compositor: Antonio Sánchez.

El soundtrack de “Birdman” es algo único. Literalmente, algo que nunca antes hemos visto. Alejandro González Iñarritu escogió a Antonio Sánchez, un baterista de jazz mexicano y multi ganador de Grammys, quien es miembro hace años de un selecto grupo en el mundo del jazz participando en discos de Pat Metheny, Gary Burton y Chick Corea, entre muchos otros. La banda sonora de “Birdman” pasa a ser una especie de ensayo recurrente de Sánchez, donde lo único que escuchamos es una increíble batería de jazz con muchos tintes de improvisación. A falta que se estrene la película en nuestro continente, podemos recomendarles “Doors and distance”, “Almost Human”,  “Schizo” y “The Anxious Battle for Sanity”. La música es una contante reacción al guión, y por lo mismo, tiene cambios de tempo únicos. Es mágico además que este mismo año se hubiese estrenado Whiplash, donde el jazz y la percusión llevaron a construir una de las mejores bandas sonoras independientes del 2014.

DawnOfThePlanet7. Dawn of the Planet of the Apes. Director: Matt Reeves. Compositor: Michael Giacchino.

Michael Giacchino, por tercera vez en su carrera, es capaz de resucitar una franquicia con su música. Lo que este año logró con Planeta de los Simios, antes lo hizo para Misión Imposible y Star Trek. La música del compositor es un excelente homenaje al mundo de los simios, con un tema intenso que está intercalado por una música emotiva que refleja la crisis del ser humano con el crecimiento de la sociedad liderada por César (“The Great Ape Processional” y  “Gorilla Warfare”). Un soundtrack lleno de referencias a Lost (en especial los nombres intrigantes y con acertijos), que terminó cumpliendo todas las expectativas que de él se habían generado, y que lo hizo meritorio de una columna en extenso al respecto. Si quieren dos piezas que demuestre la potencia de su trabajo, “Enough Monkeying Around”. Y “Primates for Life”. Esperemos que Giacchino replique su éxito este 2015 con lo nuevo de Jurassic Park.

HungerGames8. The Hunger Games: Mockingjay – Part 1. Director: Francis Lawrence. Compositor: James Newton Howard.

James Newton Howard esperó hasta la tercera película para entregarnos el mejor soundtrack de la franquicia de los Juegos del Hambre. Respecto a las críticas que ha recibido Sinsajo Parte 1, al parecer la sensación que tenemos los que vimos la película sin leer el libro es muy distinta a aquella sensación de los que lo leyeron. Como yo pertenezco al primer grupo, quedé muy conforme. Destaco la música en las escenas que corresponden a grandes sorpresas, como la locura de Peeta (“Victory”), la hermosa “The Hanging Tree” (donde se luce Jennifer Lawrence) y la visita de los rebeldes a Panem (“Jamming the Capitol”). Debemos señalar que el disco de Sinsajo mantiene además lo bueno de ediciones anteriores, como la canción del Distrito 12. Sigo sin entender por qué los productores de Hunger Games se esmeran en lanzar discos “inspired in” en vez de potenciar el excelente trabajo de James Newton Howard, quien tuvo un excelente año musical.

Fury9. Fury. Director: David Ayer. Compositor: Steven Price.

El año pasado no nos equivocamos al señalar que Gravity de Steven Price era el mejor soundtrack del año.  Creemos que no nos volveremos a equivocar si dejamos a Fury al límite de los 10 primeros puestos del 2014. “Fury” es una película muy interesante pese a contar con un guión muy poco novedoso (el soldado joven que parte a una guerra que no es suya, que es entrenado por un estricto maestro del cual aprende mucho con el tiempo, y, sorpresivamente, el menos preparado es el único que sobrevive). Lo mismo sucede también con el soundtrack de Steven Price. Se trata de un buen trabajo pero el norteamericano debe reinventarse en el éxito, pues la similitud de algunas canciones con Gravedad las descubre hasta el menos experimentado. Por lo mismo, las piezas que más recomendamos son las que menos suenan a Gravedad, en especial las canciones de piano como la emotiva “Norman” del cierre. Del resto, recomendamos “On the lockout”, “This is my home” y “Emma”, en un disco que pese a todo, deben (y mucho) dejarlo correr.

Godzilla10. Godzilla. Director: Gareth Edwards. Compositor: Alexandre Desplat.

Dos imprecisiones volaron con el soundtrack de Desplat para Godzilla. La primera de ellas decía que era el primer trabajo a gran escala (una gran producción) para Desplat. Esto es falso, pues su paso por Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (Parte 1 y Parte 2) es más importante que Godzilla. La segunda imprecisión se debe a las favorables críticas que tuvo el trabajo, uno de los mejores del año para muchos. Si bien se trata de un soundtrack interesante, está lejos de escalar a los primeros puestos de nuestro ranking, cerrando entonces los 10 primeros lugares. “Two Against One”, “One Last Shot” y “Godzilla!”, la canción de apertura, son lo mejor en un disco que termina siendo opacado por los 2 otros trabajos de Desplat de los cuales ya hablamos,. ¿Lo malo? El playlist tenía una cantidad injustificada de Spoilers, un crimen cuando el soundtrack sale antes que la película. Además, es un disco que en su momento definimos como agotador. En defensa de Desplat, no podía ser distinto cuando se trata de Godzilla, pero se habría agradecido ciertas pausas en la acción musical.

InherentVice11. Inherent Vice. Director: Paul Thomas Anderson. Compositor: Jonny Greenwood.

Si me costó hablar de “The Imitation Game”, hablar de “inherent Vice” me da miedo. Sin ver la película, uno está seguro que el film de Paul Thomas Anderon debiese escapar de toda norma. Por eso, en cuanto a la película, sólo podemos hablar de los que nos ha dicho el trailer, el cual, dicho sea de paso, puede ser el mejor del año. Paul Thomas Anderson vuelve a recurrir a Jonny Greenwood de Radiohead para que construya una banda sonora para sus siempre intensos guiones. Si el resultado superaba a The Master, era suficiente. Si igualaba a There Will Be Blood, sería sublime.  En definitiva, creo que estamos en un punto medio.  Las mejores canciones son las que hacen referencia al personaje de Katherine Waterston (“Shasta Fay” y “Shasta Fay Hepworth”), pero destacamos en especial “The Goldeng Fang” y “Amethyst”. Insistismo, en todo caso. La interpretación que hacemos de la música, en cuanto a las escenas o personajes a que se refieren, son antes de ver la película, por lo que nuestra opinión puede y probablemente cambie luego de ver lo nuevo de Paul Thomas Anderson.

HowToTrainYourDragon12. How To Train Your Dragon 2. Director: Dean DeBlois. Compositor: John Powell.

Un proyecto más maduro, sin dudas, es la nueva entrega de cómo entrenar a tu dragón que vuelve a musicalizar John Powell (recuerden que el primer soundtrack fue incluso nominado a los Óscar). En esta oportunidad, Powell  sigue profundizando todos los temas de la primera película (“Should I Know You?”), aunque “Where No One Goes” con la participación de Jónsi (Sigur Rós) es un salto en calidad notable. Hay algo en esta franquicia muy exitosa de de DreamWorks que no me convence.  No sé. A mí el trabajo de Powell me sigue sonando a Space Jam (“Dragon Racing”), y la verdad, de novedad ahora tiene poco.  Por eso, si no ganó los grandes premios con la primera, dudo que lo haga con la segunda, pues los temas nuevos, como “Flying Mother”, no son tan potentes.  Con esto no quiero decir, ni mucho menos, que el soundtrack de “How to train your Dragon 2” sea malo. Quiero ser claro en este asunto. Es una buena banda sonora, en caso contrario no estaría en el 12° lugar en este ranking. Pero no podemos premiarla por los motivos que hemos señalado anteriormente.

Lucy13. Lucy. Director: Luc Besson. Compositor: Éric Serra.

Luc Besson parece haber perdido con Lucy todo el prestigio que construyó a lo largo de su carrera. Una película repetida, que pretende ser de acción pero sus escenas en dicha materia son torpísimas, es la sensación que te deja luego de unos minutos. Parece la mezcla (mala) entre Transcendence y Limitless. Lo único a destacar es la banda sonora de Éric Serra, en especial la llegada de Lucy al 100% de su capacidad cerebral (“Melt into Matter”) y su viaje hacia atrás en el tiempo hasta los orígenes mismos del Universo (“Flicking Through Time”, “Moonbirth” y “Origin of the world”). Así, Serra sí estuvo a la altura de sus trabajos y cooperaciones anteriores con el mismo Besson. La música de “Lucy” está a años luz de lo que fue “The Fifth Element” en su época, pero es un proyecto bastante interesante para un compositor que no entregaba proyectos nuevos desde 2011. Algo negativo, a mi juicio, es el exceso de canciones. Así como creo que una película no debe acercarse a las 3 horas de duración, fraccionar una banda sonora en 29 pistas no tiene sentido. Eso hace muy difícil seguirla, y nos hace pensar que no hay una sola gran idea musical detrás de cada canción.

BigEyes14. Big Eyes. Director: Tim Burton. Compositor: Danny Elfman.

Si me viese obligado, a dos meses de los premios de la Academia, a elegir al que creo el más fuerte candidato en cualquier categoría, optaría por hablar de “Big Eyes”. Si bien la banda sonora es de Danny Elfman, el nuevo proyecto de Tim Burton trae dos canciones originales de Lana del Rey que son casi perfectas. Me refiero a “Big Eyes” y “I Can Fly” y cuyo único rival directo es “The Lego Movie” (el peso comercial que ello implica, porque la canción, en el fondo, es bastante discreta). Yo no me sorprendería si ambas corren por la estatuilla como mejor canción. Esto ya pasó antes con “The Princess and the Frog” el 2009 y “Enchanted el 2007, sin querer ir más lejos porque es recurrente. Incluso “Dreamgirls” tuvo 3 nominaciones en esta categoría el 2006. En cuanto a la banda sonora de Danny Elfman, la mano derecha de Burton hace ya muchos años, también tenemos muchas cosas buenas que decir.  “Opening” y “Victory” pueden ser lo mejor  en lo que es, para mí, su trabajo musical más maduro desde “Big Fish”. No puede ser coincidencia que el título de ambas películas sea una palabra compuesta constituida por la palabra “grande”. Ciertamente un gran trabajo el de Elfman.

TheHobbit15. The Hobbit: The Battle of the Five Armies. Director: Peter Jackson. Compositor: Howard Shore.

Un disco totalmente plano el de Howard Shore. De altísima calidad, pero cero interesante, podríamos decir desde humilde plataforma. Las canciones más memorables son las que hacen referencia al trabajo musical de la trilogía de El Señor de los Anillos (“Courage and Wisdom”, “There and back again”, “Guardians of the Three”, por ejemplo ), misma referencia que tiene la película en esas innecesarias escenas como cuando Thranduil le pide a Legolas buscar a Aragorn. ¿Lo bueno? La continuidad musical entre la Ciudad del Lago y Dale, y algunas canciones seleccionadas como “Sons of Durin” y “The Last Goodbye”, donde se vuelve a lucir Billy Boyd al igual que lo hiciera en El Retorno del Rey con “Steward of Gondor” (canción que se utilizó en el trailer de La Batalla de los 5 Ejércitos). Qué lástima que los avances en computación hayan hecho tanto daño al trabajo de Jackson, y desde ya tienen un interesado en comprar un libro o ver un documental donde se presente el proyecto original de Del Toro. El legado de la trilogía de El Hobbit es pobre, quizás con la excepción del trabajo de Martin Freeman. Musicalmente, sucede lo mismo. Musical de buen nivel, pero que se perderá en el olvido.

TheLegoMovie17. The Lego Movie. Director: Phil Lord y Christopher Miller. Compositor: Mark Mothersbaugh.

Rendimos homenaje este año a Mark Mothersbaugh cuando hablamos de su música para “The Life Aquatic with Steve Zissou”. Cuando halamos de una película del 2004 no lo hacemos por casualidad. Eso refleja sin dudas que el ex Devo no ha podido volver a la palestra, en lo que a bandas sonoras se refiere, desde que Wes Anderson optara por Alexandre Desplat (sabiamente) para musicalizar sus proyectos futuros. Todo cambió este año, cuando presentó su banda sonora para la nueva aventura de Lego, “The Lego Movie”. Si bien todos recordaremos en el futuro  “Everything is awesome!!!” de Tegan and Sara, por lejos la más icónica del disco y la película porque es un verdadero himno, la banda sonora de Mothersbaugh es muy recomendable y no debe pasar desapercibida.  Musicalmente, el soundtrack aporta mucho en la narración de la película, como sucede con “Emmet’s morning” en un comienzo. Pero las canciones que más reflejan esta idea son “Emmet’s plan” o –la más distinta- “My secret weapon”, cuando la película da un giro bastante inesperado.

Hollywood Records Guardians Of The Galaxy Deluxe Cover Art17. Guardians of the Galaxy. Director: James Gunn. Compositor: Tyler Bates.

Si bien el score de Tyler Bates se ve opacado por el soundtrack que el director James Gunn recopilo en el famoso cassette “Awesome Mix Vol. 1” de Star Lord (¿puede algún compositor siquiera pensar llegar a competir con Blue Swede, David Bowie, Redbone, Marvin Gaye, entre otros?), la propuesta de Bates es bastante interesante y en Revius queremos rescatarla del oscuro lugar en el espacio donde está recluida. La música de las batallas espaciales es sin dudas la que más destaca (“The Kyln Escape”, “The Final Batlle Begins”, “Black Tears”), pero ciertas canciones en particular merecen nuestro reconocimiento, como la dedicada al personaje de Benicio del Toro (“The Collector); la que suena en el “sacrificio” de Star Lord por Gamora (“Sacrifice”); y en general toda la música relacionada a Groot (“Groot Spores” y “Groot Cocoon”).  Hablar de Bates este año, además, es muy merecido. Recordemos que el compositor se hizo famoso por su increíble banda sonora en la primera entrega de 300. Precisamente ese trabajo había sido despilfarrada en “300: Rise of an Empire” por Junkie XL este año, por lo que Bates necesitaba responder con un gancho.

Noah18. Noah. Director: Darren Aronofsky. Compositor: Clint Mansell.

Muchas expectativas teníamos de Noé, tanto así, que revisamos la banda sonora de Clint Mansell el mismo día de su estreno como pueden revisar en este enlace. En definitiva, el film de Aronofsky (en especial) no estuvo conforme a las expectativas generadas, y la banda sonora de Mansell se terminó contaminando de ello, como era inevitable. Más espectacular que en otras ocasiones, de minimalista el trabajo de Noah tenía bastante poco. Por eso debemos destacar lo que aporta en epopeya “Make thee an ark”, además de “In sorrow thou shalt bring forth children”. Creo que refleja mucho el estado del trabajo de Mansell si decimos que lo que más ha trascendido de “Noah” fue “Mercy is” de Patti Smith, fuerte candidata a mejor canción del año. Una oportunidad desaprovechada por Mansell, quien no tenía grandes blockbusters a su haber. Parece que las producciones más pequeñas, aunque sean de los mismos directores, son un traje que le calza mucho mejor que el de los grandes films. Con cada disco parece alejarse de los grandes premios, lamentablemente.

BookOfLife19. The Book of Life. Director: Jorge Gutiérrez. Compositor: Gustavo Santaolalla.

Desde antes de ver “The Book of Life” estábamos decididos a incorporarla en este ranking. En otras palabras, si el soundtrack de El Libro de la Vida hubiese sido malo, no iba a importar, pues era justo poner a Santaolalla en nuestro listado para otorgar reconocimiento a su increíble banda sonora para el juego “Last of Us”. La buena noticia es que el soundtrack de El Libro de la Vida era bueno. Estructuralmente, se divide en los covers a canciones conocidas y el material nuevo de Santaolalla. En el primer grupo destacamos la nueva versión de “Ecstasy of Gold” y “Creep” con “Can’t help falling in love with you”, interpretadas estas dos últimas por Diego Luna. Si debemos criticar algo a este grupo de canciones es que se hubiese agradecido haber entregado los covers completos en el CD, y no sólo la pequeña parte que se interpreta en la película. En cuanto al material nuevo, Santaolla se luce (también con Luna) en “The Apology Song”, y por su cuenta en “Visiting Mother”. Una interesante película animada que rescata mucho de la cultura mexicana, tan prejuiciada siempre en Estados Unidos.

Unbroken20. Unbroken. Directora: Angelina Jolie. Compositor: Alexandre Desplat.

Las expectativas con Unbroken fueron bajando con el  tiempo. Hace no mucho tiempo, parecía el caballo ganador en todos los premios y muchas categorías. Desplat se mantuvo ajeno a estas críticas, pues si bien se trataba de un excelente soundtrack, siempre se supo que estaba muy lejos de los grandes discos que lanzó este año.  No por ello es malo, ya que contra lo mejor de Desplat casi nadie puede competir. “Unbroken” es la última película de la cual opinaremos sin haberla visto, por lo mismo, la mesura guiará nuestro resumen. Un drama bélico dirigido por Angelina Jolie que gira entorno a la figura de Louis Zamperini, héroe de guerra y además atleta olímpico norteamericano. Precisamente la canción que hace honor a su sobrenombre (“Torrance Tornado”) es la que llamó nuestra atención de inmediato, así como el increíble piano en la breve pero emotiva “Making Gnocchi”. Desde la mitad hacia adelante del disco, destacamos el réquiem dedicado a los compañeros caídos (“Dead Comrades”) y la orientalización de la música (evocando a The Last Samurai) en “To Naoetsu”.

Exodus21. Exodus: Gods and Kings. Director: Ridley Scott. Compositor: Alberto Iglesias.

Tras “Noah”, otro drama bíblico comienza el cierre nuestra lista. Ridley Scott optó emotivamente por elegir al español Alberto Iglesias para musicalizar su nuevo largometraje, pues el film se grabó principalmente en Almería, España. No hablamos de cualquier director en cuanto a lo que música se refiere. Recordemos las bandas sonoras que ya analizamos de “Blade Runner” y “Gladiator”. Si bien la película ha sido (injustificamente a mi parecer) destruida por las críticas (no es buena, pero tampoco es tan mala como dicen), la banda sonora de Iglesias está demasiado bien lograda. Sin duda la influencia mora en España se nota, pues Iglesias logró capturar perfectamente la música desértica que luego termina entregando en Éxodo. Estas canciones recuerdan especialmente a lo mejor del Gladiador cuando Máximo visita las ferias de los alrededores. El resto de la música es destacar forma parte más del thriller, es decir, están relacionadas a las escenas y apuestas bélicas del director. “Moses’ Camp”, donde preparan la revolución; “We cross the mountains” en la persecución de Ramses; e “Into the water” en el enfrentamiento final, constituyen el mejor trabajo de Iglesias desde “La piel que habito”.

BigHero22. Big Hero 6. Directores: Don Hall y Chris Williams. Compositor: Henry Jackman.

Disney no tuvo este año esa gran banda sonora a la cual nos tiene acostumbrados, pero es capaz de meter 2 soundtracks al cierre de nuestro ranking. El primero de ellos es “Big Hero 6” de Henry Jackman, uno de nuestros compositores favoritos en la nueva camada de músicos norteamericanos, y de quien hablamos en “X-Men: First Class”. La banda sonora de Grandes Héroes rescata el lado asiático de la imaginaria San Fransokyo, en especial con “Hiro Hamada” y “The Streets of San Fransokyo”. Esta última tiene mucho de Pacific Rim, otra película ambientada en Asia. Es muy interesante el ritmo con el cual se musicaliza desde un comienzo al lento Baymax (“Huggable Detective”) y cómo se reconoce el aspecto nerd de la robótica (“Nerd School”). Lo mejor del disco, de un muy alto nivel, es “Big Hero 6”, la musicalización de la batalla final donde Hiro y compañía, superhéroes absolutamente inesperados, deben salvar al mundo de un vengativo freak robótica que tiene en sus manos la increíble tecnología de los microbots. Falta un poco de originalidad de todas formas. Muchas referencias Iron Man y X-Men, además de la ya mencionada a Pacific Rim (escuchen “So much more”, por ejemplo).

Nightcrawler23. Nightcrawler. Director: Dan Gilroy. Compositor: James Newton Howard.

La última película que metimos en el listado es la que se conoce en nuestro idioma como “Primicia Mortal”. Calladamente, James Newton Howard mete un segundo soundtrack en nuestro listado. No se sorprendan, además, si volvemos a referirnos a él (¡spoiler!). Lo cierto es que Dan Gilroy, en su debut direccional, fue capaz de convencer a un gran grupo de trabajo. Sin dudas todos recordaremos a Jake Gyllenhaal, quien ha sido alabado por su interpretación de Louis Bloom (Gyllenhaal es otro candidato a mejor actor de su generación). Pero tampoco debe pasar desapercibida la capacidad de Gilroy de convencer a un compositor de renombre como Howard, y que el resultado sea casi perfecto. La música de Howard refleja, por un lado, la increíble (y desagradable) personalidad de Lou, especie de filósofo barato, amante de manuales de emprendimiento y autoayuda, que decide emprender con un negocio de grabación de noticias y está dispuesto a todo para ser “exitoso” (“Lou’s Inspired” y “The Wrong Way”). Por otro, Howard entrega música para criticar la forma en que se entiende el periodismo, donde a mayor sangre, mayor raiting, y donde la noticia escapa de lo que es verdaderamente y se transforma en lo que quieren que veamos (la desvergüenza de “The shootout” y la alegría de Lou en “Lou’s Free” y “Edit on the hood”).

X-Men24. X-Men: Days of Future Past. Director: Bryan Singer. Compositor: John Ottman.

Particularmente puse el grito en el cielo cuando me enteré que Henry Jackman no estaría tras la banda sonora de Días del Futuro Pasado, luego del increíble soundtrack que realizó para “First Class” hace unos años y que comentamos durante este 2014. El cambio de director, de Matthew Vaughn a Bryan Singer, no me tenía tan preocupado como sí lo hacía un cambio en la música. Debo reconocer que fui prejuicioso. Mi mayor miedo se cumplió, en el sentido que no se respetó nada del trabajo tan pegajoso de Jackman. Pero “X-Men: Days of Future Past” es una excelente película, excelentemente lograda pese a su dificultad, y excelentemente musicalizada por John Ottman, quien recuperó mucha de las melodías de la serie anterior de películas, donde trabajó junto a Singer (X-2). Destaco por sobre todo la canción dedicada a Charles Xavier (“Hope (Xavier’s Theme)”), la música en la cómica liberación de Erik –Magneto- (“Springing Erik”), la crisis desatada por Mystique en París (“París Pandemonium”) y los créditos finales con el regreso de Logan a su época (“Welcome Back / End Tittles”), donde se luce el tema de los X-Men.

Maleficent25. Maleficent. Director: Robert Stomberg. Compositor: James Newton Howard.

Llegó el esperado momento de cerrar nuestro listado y lo hacemos con otra película de Disney. Dirigida por Robert Stromberg y protagonizada por Angelina Jolie, hablamos de “Maleficent”. El sabor que te deja Maléfica es confusio. No sabes si estás viendo una película de niños o de adultos constantemente. No obstante el montaje de Disney es bastante interesante. Musicalmente, James Newton Howard es uno de los compositores más influyentes de las últimas décadas, y demuestra su talento en canciones como “True love’s kiss” y “Maleficent is captured”. Un gran año de Howard, que como dijimos, tiene 3 títulos en los 25 primeros puestos. No es coincidencia que lo mejor a nuestro juicio sea el cierre del disco, pues la película por momentos se hace eterna pese a durar menos de 100 minutos. El cover de Lana del Rey (segunda aparición en nuestro listado tras “Big Eyes”) de “Once upon a dream” es simbólico pues se trata de una especie de precuela de La Bella Durmiente, y en general, de gran parte del mundo Disney que se viene a futuro.

BONUS TRACK.

Boyhood

Boyhood. Director: Richard Linklater.

Al igual que ayer sucedió con “Chef” en la categoría independiente, “Boyhood” quedó fuera de la carrera oficial a mejor banda sonora este año por motivos técnicos. En Revius sólo consideramos soundtracks con material inédito a la hora de hablar de una banda sonora, y no recopilaciones de grandes éxitos. No obstante, no podemos dejar de hablar de la increíble música que rodea a la que es (quizás) la mejor película del año y que también es (seguro) la más bella. Una película donde pasa poco pero pasa todo (¡la infancia de un niño!) incorpore canciones increíbles. La más icónica es “Hero” de Family of the Year, pero también destacamos “Hate to say that I told you so” de The Hives, “Deep Blue” de Arcade Fire, “She’s long gone” de The Black Keys y “Somebody that I use to know” de Gotye.

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