Marvel’s Agent Carter S02E03: “Better Angels”

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Hace un par de días, cuando terminábamos nuestra revisión de “Jessica Jones”, destinamos un par de párrafos a hablar de la distintiva perspectiva feminista que dicha serie tenía, la cual alabábamos junto a lo realizado tanto por “Agent Carter” como por “Supergirl” en la vereda del frente. Parte de la discusión importaba no sólo porque nos agrada ver esta clase de representación de forma tan fidedigna en la pantalla, pero además porque significa una bocanada de aire fresco, no sólo para la televisión en general, pero particularmente para las adaptaciones de comics -un medio que, desde su crisis en los 50s, se anquilosó y ha sido inmensamente reaccionario en cuanto a temas de diversidad, tendencia que ha venido a revertirse afortunadamente durante los últimos 5 años-.

¿Por qué importa hablar de esto? No sólo por ser temas prevalentes en “Agent Carter”, pero además porque dicho foco saca a la luz otro acápite relativo a la diversidad donde las adaptaciones de comics -y especialmente las de Marvel- han estado al debe: la diversidad racial.

No hay nada más evidente que el hecho mismo que Marvel tenga ya 7 películas protagonizadas por hombres caucásicos de nombre Chris (con 3 más en camino), mientras que la esperada película de Black Panther ha sido dilatada en numerosas oportunidades, debiendo esperar recién hasta el 2017 para su estreno. Y si bien esta situación no es culpa de Evans, Pratt o Hemsworth; sí lo es de Marvel Studios, que por todo lo bueno que han logrado en estos 8 años, todavía muestran una deuda tremenda al respecto, no bien han tomado medidas para corregir el curso.

Agent-Carter-202-4-600x400¿Por qué partir hablando de diversidad racial? Porque si bien ha sido tratado de forma periférica en la actual temporada, “Agent Carter” ha realizado una buena labor estableciendo la problemática de la discriminación que existía -y aún existe- en EE.UU., todo gracias a la figura del Dr. Wilkes.

El científico importa no sólo por su rol en la historia, como infodump científico y como interés romántico para Peggy; pero además porque su figura encapsula todo lo bueno y lo malo que ha realizado Marvel cuando se trata de personajes que no son blancos. En lo positivo obviamente destaca el ser una figura subversiva para la época en que está ambientada la serie de la misma forma en que Peggy lo ha sido todo el tiempo desde su retorno de la guerra; de hecho, es justamente éste el motivo mismo por el cual se forma el vínculo y la atracción entre ambos personajes, porque el personaje de Hayley Atwell siente una conexión con los diversos “underdogs” que, como ella, han debido lidiar con todo lo que el mundo les ha arrojado para poder surgir y destacar en sus campos. Por eso la atracción también por Sousa (herido de guerra), y por Steve Rogers (recordemos que el afecto de Peggy hacia el Capitán América empieza mucho antes de que el personaje de Chris Evans se sometiera al experimento del Dr. Erskine y Howard Stark).

Por otro lado, Wilkes mantiene la “tradición” (a falta de una mejor palabra) de Marvel de utilizar personajes afroamericanos en roles de soporte (Falcon, War Machine, Mack), así como el mal historial de siempre tratarse de personajes -especialmente en las series- que terminan muriendo o sufriendo algún tipo de daño sustancial. En el caso de Wilkes, si bien logra sobrevivir al accidente en Isodyne, su exposición a la Zero Matter lo ha dejado en un estado incorpóreo, lo que básicamente lo deja sin agencia y lo aísla de todo tipo de acción, siéndole posible además comunicarse sólo mediante la aparición y ayuda proporcionada por Howard Stark (Dominic Cooper), quien retorna una vez más en el rol del padre de Tony.

Stark, cumpliendo un papel similar al de Howard Hughes en el universo Marvel, no sólo proporciona la ayuda necesaria a Peggy como de costumbre, sino además nos entrega otro vistazo a la forma en que Hollywood funcionaba durante parte de su edad de oro; incluso adelantándose a su época, mediante la realización de una adaptación de un personaje de comics, en lo que es un comentario muy meta por parte de la serie.

El análisis de Hollywood no es azaroso, y no sólo por ser la nueva locación de la serie, sino además porque nos permite adentrarnos en la psiquis de Whitney Frost, así como para trazar paralelos entre ella y la Peggy que vimos en la temporada pasada, aún luchando contra la estructura societal eminentemente machista de la New York de los 40s. Así como Peggy, Whitney es mucho más de lo que la sociedad espera y demanda de ella, ya que en el caso de la villana, se trata de una prodigio de las ciencias que estuvo detrás de todo el éxito de Isodyne antes de dedicarse a la actuación y a su matrimonio.

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Ahora bien, y como si Whitney no tuviera suficientes problemas con el machismo imperante, a lo anterior debe sumar que sus planes por deshacerse de Peggy y desacreditar a Wilkes no funcionaron tan bien como esperaba, lo que junto al hecho que la Zero Matter se ha unido a ella y le ha otorgado poderes, generan en Whitney una interesante encrucijada en su camino hacia el poder y hacia su identidad de Madame Masque.

Quien no es para nada interesante, pero también tiene su dilema propio, es el imbancable de Thompson, quien continua entre la espada y la pared que representan la SSR, y su nueva amistad con el Arena Club, quienes no sólo actúan como una representación visual bastante evidente del patriarcado, pero además porque Thompson y la poca moralidad que le queda se da cuenta -era que no- de que sus nuevos socios estaban involucrados en actividades altamente censurables y no se trataba sólo de un club de caballeros con conexiones en las redes del poder.

Lo cierto es que los dilemas morales de Thompson no resultan ser una trama tan interesante como algunos podrían creer; sin embargo, la imbancabilidad inherente que Chad Michael Murray le imprime al director de la SSR hace que de alguna forma la trama de todas maneras funcione (en el fondo, todos queremos ver el momento en que meta la pata y Peggy, nuevamente, salve su pellejo).

“Agent Carter” continua su gran retorno con una temporada que en tan solo 3 episodios ya ha dejado su peculiar marca, a la vez que ha demostrado una exuberancia y confianza que a ratos se echaba de menos en el ciclo anterior.

Notas al cierre:

  • Sacando a la palestra nuevamente el tema de la diversidad y la representación, algo que la serie pide a gritos e alguna mujer no caucásica para interactuar con Peggy.
  • El comic que estaba adaptando Howard Stark era “Kid Colt”, el más célebre personaje del viejo oeste publicado por Marvel (en los comics Kid Colt es, de hecho, parte del universo de la editorial, lo que hace que todo sea aún más divertido).
  • Las máscaras teatrales en el camarín de Whitney Frost fueron un buen toque, tanto en demostrar la dualidad del personaje, como en un foreshadowing a su eventual destino.
  • Siguiendo con Whitney, y haciendo hincapié en la comparación que hicimos entre ambos Howards (Stark y Hughes), Frost también está inspirada en una figura real: la actriz Hedy Lamarr. Además de su carrera en Hollywood, Lamarr era una célebre inventora en los 40’s, siendo su aporte más importante para la historia el desarrollo de un sistema de guía para torpedos que utilizaba ondas de radio. Con el paso de los años, la tecnología inventada por Lamarr se utilizaría para el desarrollo tanto del Wi-Fi como del Bluetooth. En honor a Lamarr, el día internacional del inventor se celebra todos los 9 de noviembre, fecha de su cumpleaños.
  • El año pasado no nos cansábamos de alabar el diseño de producción de la serie, y este año se nota que el cambio de costa le ha hecho aún mejor a la serie, lo que se ha notado en valores de producción mucho más altos y visualmente atrayentes. “La magia de Hollywood” le dicen.
  • Dominic Cooper sigue siendo un deleite como Howard Stark, quien incluso hizo mención al fondue, trayéndonos de vuelta ciertos recuerdos de “Captain America: The First Avenger”.
  • “But they’re ready for a movie based on a comic book? Sounds like a dreadful idea!” – La mejor línea de diálogo en cualquier cosa en lo que va del año.

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