Las 20 Mejores Series Animadas de los 70’s

Tras haber ya hecho un recorrido por la década de los 60’s, ahora dejamos atrás la época del amor y las flores y nos adentramos en una época marcada por una crisis económica que influyó no sólo en la calidad de la animación, pero también en el ámbito de las ideas -esta es la época de los refritos, las repeticiones, los plagios descarados y los spin-offs-.

Pero entre todo esto -que influyó en el por qué disminuimos el número de series-, existe una cantidad considerable de shows que se lograron elevar por sobre las demás y pasaron a la posteridad.

Como siempre, les recordamos los criterios de selección:

  • La lista no cuenta con una enumeración por orden de preferencia, por lo tanto no es un ranking de series.
  • La lista se enfoca primordialmente en series animadas “occidentales”. Optamos por dejar fuera el animé porque creemos que se merece un tratamiento en particular separado de las demás series -en otras palabras, estamos desde ya anunciando que realizaremos el mismo ejercicio de compilar listas analizando lo mejor del animé, década por década-.
  • Los criterios para incluir series en las listas tienen que ver con la popularidad de las mismas (masivas o de culto), su importancia histórica o cultural, la innovación que introdujeron al medio, entre otros.

A continuación, nuestra elección de las mejores series de los 70’s:

Josie and the Pussycats (Josie y las Gatimelódicas) – 1970

Considerando que se trata de uno de los puntales de Archie Comics (junto con Archie y Sabrina, la bruja adolescente), no habría de sorprender que, tal como los otros personajes, Josie y las Gatimelódicas -como se conocieron por estas latitudes- dieran el salto de las viñetas a la animación, esta vez cortesía de Hanna-Barbera. Lo que quizás sorprendió a muchos fue el éxito internacional que conseguirían los personajes, volviéndose mucho más reconocidos por estas latitudes que, por ejemplo, el mismo elenco tradicional de Archie, Betty, Verónica y compañía.

Tomando “prestado” el formato de Scooby-Doo (la GRAN tendencia de la animación de la década), “Josie and the Pussycats” nos presentó al trío musical central, compuesto por Josie, Melody y Valerie (el primer personaje femenino afroamericano en un rol principal en una serie animada), quienes en compañía del rodie Alan, los hermanos Alexander y Alexandra, y el gato Sebastian, viajan de locación en locación producto de su carrera musical, pero además resolviendo misterios que ocurren en cada lugar.

La serie se prolongaría por 16 episodios a lo largo de 2 años, tras lo cual sería cancelada y posteriormente relanzada como “Josie and the Pussycats in Outer Space”, donde el formato musical y “scooby-dooezco” se mantendría, pero sería llevado fuera de los confines de la Tierra. Because of reasons. 

 

Fat Albert and the Cosby Kids (El Gordo Alberto y la pandilla Cosby) – 1972

Antes de que se conocieran y desataran sus numerosos escándalos sexuales que lo tienen justamente ostraciado de la industria del espectáculo norteamericano, Bill Cosby era uno de los comediantes más conocidos y respetados, con una carrera que iba desde la década de los 60’s y que tuvo uno de sus puntos más altos durante los 70’s y 80’s, en gran medida gracias a su rol protagónico y creativo en “Fat Albert and the Cosby Kids”, una de las series animadas más longevas de la historia -corriendo desde 1972 hasta 1985-, y un show pionero en cuanto a la representación de la población negra de EE.UU., así como las distintas problemáticas que los aquejaban.

Así, en cada episodio de este show musicalizado por el mismísimo Herbie Hancock, la pandilla de niños Cosby liderada por Fat Albert (casi todos con voz de Cosby), trataban distintas problemáticas que iban desde lo mundano a lo socialmente relevante, con temas como el uso de drogas, las enfermedades sexuales, la violencia racial y la cometida con armas de fuego, el vandalismo, etc. No bien se trataba de un show educativo -con canciones y moralejas al final, entregadas en formato live action por el mismo Cosby-, “Fat Albert…” nunca utilizó un tono paternalista en sus lecciones, sino más bien intentó aproximar temas complejos y considerados “adultos”, acercándolos al público infantil en un lenguaje y un formato que les fuera comprensible, todo lo cual le valió, entre varios galardones, la nominación a un premio Emmy en 1974.

 

Wait Till Your Father Gets Home (Espera a que llegue papá a casa) – 1972

Apareciendo por primera vez en el programa de antología cómica “Love, American Style”, y tomando prestados elementos de una serie emblemática como lo era “All in the Family”, “Wait Till Your Father Gets Home” fue una sitcom animada creada por Hanna-Barbera que se emitió en 3 temporadas entre 1972-1974. La serie exhibida en horario para adultos en EE.UU. tiene la distinción de ser el primer show animado en hacerlo de forma exitosa por más de una temporada desde “Los Picapiedras”, y sería la única en lograr dicho logro hasta el estreno de “Los Simpsons”.

La serie se centraba en los conflictos generacionales entre padres e hijos que ocurren al interior de la familia Boyle, particularmente entre la pareja de Harry e Irma, y sus hijos Alice, Chet y Jaime. El contexto de la serie en la clásica familia suburbana norteamericana, sumado a que los vecinos de los Boyle eran ultraderechistas, se presta para un interesante análisis de las brechas generacionales, particularmente entre los Baby Boomers y las generaciones más antiguas, en contraposición a las generaciones criadas durante los 60’s y 70’s con visiones de mundo más liberales.

 

Speed Buggy (El superveloz Buggy Buggy) – 1973

Como mencionamos previamente, uno de los grandes temas que permean la animación de esta década es la cantidad desmesurada de clones y copias de “Scooby-Doo”, lo que resulta razonable si pensamos que cada estación televisiva quería parte del éxito que había significado el show original, por lo cual muchas veces fue el mismo estudio Hanna-Barbera el encargado de crear estos clones de su serie insignia, tratando de generar suficiente contenido como para diferenciarse el uno del otro.

En este panorama de pobreza creativa, uno de los clones en destacarse fue “Speed Buggy”, y no sólo porque la premisa ahora involucraba 3 adolescentes y un auto (!) que resolvían crímenes, pero además porque este formato permitía filtrar en esta serie algunas premisas que podían parecer un tanto desparatadas para otros shows de la factoría Hanna-Barbera, como el mismo “Scooby-Doo” o la ya mencionada “Josie y las Gatimelódicas”. Otro punto a destacar -para bien y para mal- en torno a “Speed Buggy” es que la serie se nutrió mucho también de “Speed Racer” (o “Meteoro” como se le conoce por estas tierras); esto es relevante no sólo porque demuestra la influencia que la animación japonesa comenzaría a tener en su símil occidental, pero también porque sirvió para preparar el mismísimo desembarco que el animé tendría en este lado del mundo, lo que desembocaría tanto en adaptaciones norteamericanas que “destilaban” y modificaban el producto original para la audiencia, como en la llegada del animé propiamente tal, especialmente en Latinoamérica, que disfrutó de un boom mucho antes que EE.UU.

 

Star Trek: The Animated Series (Star Trek: La Serie Animada) – 1973

Durante los 60’s vislumbramos no sólo la llegada de series de acción con temática un poco más seria que las caricaturas tradicionales de formato comédico, pero también la posibilidad de adaptar todo tipo de propiedades, incluyendo series y filmes live action, para cobrar nueva vida en otro medio.

Y fue justamente esto lo que ocurrió con “Star Trek”, luego de que la serie live action fuera cancelada, por lo cual las aventuras del U.S.S. Enterprise y su tripulación se mudaron a la animación gracias a Filmation y Paramount. Aún así, la adaptación no estuvo exenta de dificultades las cuales pasaron no sólo por la reducción del elenco para ahorrar costos considerando que los actores de la serie original prestarían sus voces en el proyecto (lo que dejó fuera al Chekov de Walter Koenig), pero que también dificultó el desarrollo ya que la serie quería dejar fuera -por un tema de costos- a Nichelle Nichols y a George Takei, pero fue la insistencia del resto del elenco liderado por William Shatner y Leonard Nemoy -así como las amenazas de boicot por parte de éstos-, lo que permitió que se mantuviera a los actores (lo que contribuyó con la situación económica de varios, la cual había empeorado considerablemente luego del final de la serie original).

La serie también destacó enormemente por su calidad -especialmente considerando la época, lo que la llevó a ganar un Emmy en 1975-. Esto se debió en parte a que, gracias a una huelga del Sindicato de Escritores -que no aplicaba a la animación en aquella época-, esto derivó en que muchos célebres escritores de ciencia ficción (como David Gerrolds, D.C. Fontana y Larry Niven) trabajaran en la serie. Finalmente, vale la pena señalar que no bien el show no forma parte del canon oficial de Star Trek, muchos conceptos que sí lo componen tuvieron su origen en esta serie.

Super Friends (Súper Amigos) – 1973

Si en los 60’s la labor de las series de acción de Hanna-Barbera y las adaptaciones de algunos personajes de DC y Marvel abrieron la puerta para la llegada de los superhéroes a la animación, y particularmente al inicio del dominio que la casa de Superman, Batman y Wonder Woman tendría en el medio, el cual se materializó por más de una década en “Super Friends”, serie que no sólo popularizó e introdujo los personajes a nuevas audiencias en todo el mundo (o en el caso de Aquaman, le causó un daño a la percepción pública del personaje que recién en los últimos años ha comenzado a revertirse), pero que además gozó de una particular evolución de un show más familiar y general -que incidentalmente tenía personajes de DC-, a uno mucho más enraizado en la mitología de la editorial y sus variados personajes.

Además de introducir a las masas a numerosos héroes y villanos a lo largo de sus 13 años de duración -y numerosos spin-offs-, la serie también presentó variados elementos que eventualmente darían el salto a los comics (como Wendy y Marvin, los Gemelos Fantásticos o el Salón de la Justicia), además de ser un temprano intento de inyectar mayor diversidad a los comics de superhéroes, esto gracias a la creación de 4 personajes en la serie los cuales, no obstante ser bien intencionados, parecían más caricaturas o estereotipos andantes más que otra cosa (Apache Chief, Black Vulcan -un stand-in de Black Lightning, debido a disputas entre DC y el creador del personaje-, El Dorado y Samurai), todos quienes llegaron a los comics de alguna forma.

Hong Kong Phooey (1974)

Considerando su lugar de prominencia en los 60’s gracias a los Funny Animals, Hanna-Barbera debía encontrar una forma de reintroducir y modernizar este concepto durante los 70’s -fuera de agregar animales u objetos antropomórficos a clones de “Scooby-Doo”-.

Uno de los pasos más interesantes en este sentido vino dado por el debut de “Hong Kong Phooey”, un show que utilizaba el formato de Funny Animals gracias a su personaje titular (un perro oficinista que combatía el crimen -de forma bastante incompetente- gracias a su destreza en las artes marciales), pero que se nutrió de otros géneros para cambiar el formato, a saber, eran episodios de larga duración y ya no cortos, y además introducía elementos de aventura y acción para complementar la comedia. Pese al éxito e importancia de la serie, ésta sólo duró 16 episodios que fueron emitidos a finales de 1974.

 

The Tom & Jerry Show (El Show de Tom y Jerry) – 1975

Creados originalmente por William Hanna y Joseph Barbera en 1940, Tom y Jerry no tardaron mucho en convertirse en íconos de la animación occidental, en una época en que MGM era uno de los estudios que dominaban el ámbito del entretenimiento, y sus personajes podían medirse de igual a igual con los de Disney y Warner Bros, lo que les valió, dicho sea de paso, ganar 7 premios Oscar.

Sin embargo, llegados los 70’s, el panorama no era el mismo, no sólo porque la producción de cortos para el cine había disminuido al punto de ser casi nula, pero además elementos como la popularidad de los shows de Hanna-Barbera, la pérdida de prominencia de MGM en comparación con otros estudios, y las críticas que se habían hecho a “Tom y Jerry” por glorificar la violencia y presentar estereotipos racistas, todos habían contribuido para la pérdida de relevancia.

Fue entonces que, llegados los 70’s, el estudio fundado por sus mismísimos creadores se unió junto a MGM para darle nueva vida al gato y al ratón, esto gracias a una serie que contendría los primeros cortos exclusivamente creados para la TV. El resultado fue “The Tom & Jerry Show”, un show más políticamente correcto y que básicamente insertaba a Tom y Jerry dentro del exitoso formato de Funny Animals que Hanna-Barbera había perfeccionado y masificado durante los 60’s y 70’s. El renacimiento de los personajes les devolvió un segundo aire, lo que significó no sólo posteriores series, pero también la reedición de los cortos antiguos, los cuales eran pasados en sindicación junto a las nuevas ediciones.

Paddington Bear – 1975

Creado en 1958 por el novelista Michael Bond, el oso Paddington no tardó mucho en convertirse en un ícono británico gracias a la influencia positiva que sus historias tuvieron en la infancia hacia la cual estaban dirigidas, gracias a la promoción de valores positivos, así como por su inocencia y gentileza.

Es por esto que no sorprendió a nadie cuando la BBC comenzó a exhibir una serie de cortometrajes animados protagonizados por el oso, cuya emisión de 56 episodios -y 3 especiales- se prolongó entre 1976 y 1980.

La mayor particularidad del show es su estilo de animación, tratándose de un formato stop motion donde se combina un modelo en 3d -básicamente un peluche- de Paddington, el cual interactuaba con un mundo y personajes completamente hechos en 2d (que esencialmente eran recortes de papel). El singular y enternecedor estilo de animación, sumado a la breve duración del formato -esencialmente atribuible al costo de producción-, terminó generando un estilo particular que se sentía bastante adecuado tanto al espíritu del personaje, como a la historia de la animación inglesa, particularmente en cuanto a su herencia de stop motion.

 

Dynomutt, Dog Wonder (Dinamita, El Perro Maravilla) – 1976

Buscando capitalizar el éxito que estaban teniendo las series animadas de superhéroes, y tratando de revivir sus ideas originales sobre héroes de acción, Hanna-Barbera lanzó en esta época un dúo particular que le debía tanto a Batman y Robin, como a Scooby-Doo.

“Dynomutt, Dog Wonder” trataba sobre su personaje titular, un perro mecánico conocido por estos lados como Dinamita, quien era el compañero del superhéroe Halcón Azul, quien en su identidad civil era un acaudalado comerciante de arte. La premisa no era lo único que tomaban prestado de Batman, ya que la serie funcionaba con una estructura narrativa muy similar a la serie live action sesentera del “Caballero Oscuro”, incluyendo los cliffhangers en medio del episodio para mantener el interés de la audiencia.

“Dynomutt…” se volvió un éxito más de Hanna-Barbera, apareciendo en diversos shows a lo largo de los años, incluyendo algunos de factoría de Cartoon Network, cuando la biblioteca de Hanna-Barbera ya había pasado a ser parte del catálogo de WB, a la vez que se ha mantenido usualmente al personaje en la órbita de las distintas series y películas animadas de Scooby-Doo.

 

Jabberjaw (Mandibulín) – 1976

Continuando con los clones de Scooby-Doo, quizás uno de los más extraños en cuanto a su concepto era “Mandibulín”, una serie donde nuevamente un grupo de de adolescentes y un animal antropomórfico resolvían misterios y derrotaban a súpervillanos. Sin embargo, dentro de las particularidades de esta serie no sólo se encontraba el hecho de combinar la fórmula ya mencionada con elementos de otros clones como “Josie y las gatimelódicas” (una banda musical), sino también lo temática de la serie, la cual estaba ambientada en el futuro (año 2076) en una civilización acuática.

Y claro, la otra gran particularidad es que la estrella del show -y baterista de la banda- era un gran tiburón blanco que también actuaba como comic relief y tenía una peculiar voz, lo que constituye un pro y un contra, dependiendo de a quién le pregunten. “Jabberjaw” estuvo al aire durante una sola temporada de 16 episodios -el standard– para los shows animados de la época, y posteriormente ha resurgido en diversos proyectos de Hanna-Barbera.

 

CB Bears (Los Osos Mañosos) – 1977

Entrando ya a finales de la década del 70, la fatiga creativa que había predominado durante la década ya se comenzaba hacer latente, y no bien se vislumbraban algunos cambios que darían frutos en los 80’s, lo cierto es que el agotamiento se notaba, pese a que el resultado de las series aún fuera uno sobre la media.

Un claro ejemplo de esto podemos verlo con “Los Osos Mañosos”, una serie que -literalmente- trató de ser absolutamente todo lo que le había dado réditos a Hanna-Barbera durante los 60’s y 70’s. ¿Compilado de episodios breves? Check ¿Funny Animals? No sólo los osos titulares, sino que además una serie de otros cortometrajes que aparecían en cada entrega, con personajes como “El Buitre Salitre y Piernas Locas Crane” (un simpático rip-off del Coyote y el Correcaminos), “Gusto, Susto y Disgusto” o el “Elefagente Secreto”. ¿Resolvían Misterios? Era la premisa central de los osos, quienes se disfrazaban de recolectores de basura. ¿Parodia a algo popular? Por supuesto, los osos -y su jefa, Charlie-, eran una referencia más que evidente a la popularidad de “Charlie’s Angels”.

No bien esta serie fue menos popular que otras coetáneas -tuvo solo 13 episodios, y sus personajes son menos reconocibles que otros de Hanna-Barbera-, aún así marca un hito importante, casi como una última salva de las grandes tendencias de las series animadas de los últimos 20 años previos a su fecha de emisión.

 

Scooby’s All-Star Laff-a Lympics (Las Olimpiadas de la Risa) – 1977

Si “CB Bears” era una muestra del agotamiento de fórmula propio de la época, esta nueva entrada es una muestra distinta del mismo fenómeno, aun cuando el resultado fue uno mucho más positivo -y de alguna forma vino a marcar el fin de una era-.

Nos referimos obviamente a “Las Olimpiadas de la Risa”, una serie crossover donde los personajes más famosos y conocidos de Hanna-Barbera se unían en 3 equipos (“Los Súper de Scooby-Doo”, “Los Yogi Yogis” y “Los Súper Malos”) y competían en diversas actividades deportivas en distintas locaciones a lo largo del mundo, en 24 episodios que componen 2 temporadas.

Además de ser un verdadero “quién es quién” de personajes del estudio, y la importancia simbólica de la serie, ésta también tuvo la particularidad de ser el primer show animado de Hanna-Barbera que no contó con una pista de risas grabadas para anunciar las bromas.

 

The New Adventures of Batman – 1977

Considerando su status como el héroe más popular de DC Comics, no sorprende a nadie que Batman tuviera su propio show animado en ésta época, el cual está dotado de ciertas particularidades, partiendo por el hecho de que esta serie competía directamente con “Super Friends”, ya que no era producida por Hanna-Barbera, sino que por Filmation, quienes hicieron un producto que básicamente servía como una continuación de la serie sesentera live action (al punto que actores como Adam West y Burt Ward repitieron los roles a los que habían dado vida previamente), y que tuvo más de algún conflicto con la serie de Hanna-Barbera, considerando la forma en que DC había repartido los derechos de los personajes -un ejemplo de esto es que el Guasón originalmente iba a ser miembro de la Legión del Mal, pero al entregar DC los derechos a Filmation, el personaje no pudo aparecer ahí-.

Otras particularidades de la serie eran, por ejemplo, la ausencia de Alfred del elenco principal -compuesto por Batman, Robin y Batgirl-, y su reemplazo por el debut animado de Bat-Mite (o “Bati-duende” como se conocía por estas latitudes), quien actuaba como comic-relief.

Captain Caveman and the Teen Angels  – 1977

Con una apariencia basada en los Hermanos Macana, y tras haber hecho su debut -junto a sus “ángeles”, Brenda, Dee Dee y Taffy, en “Las Olimpiadas de la Risa”-, el Capitán Cavernícola daría el salto a tener su show propio en 1977, acompañado de sus ángeles.

El show, una clara parodia al gran hit del momento (“Charlie’s Angels”), también operaba como un nuevo clon de Scooby-Doo (el último en aparecer en esta lista) a la vez que incluía elementos de acción y superhéroes, en un nuevo intento -exitoso- de Hanna-Barbera por tirar un montón de cosas populares juntas a ver qué pegaba y qué no.

Aún así, el Capitán Cavernícola trascendería la época y se volvería uno de los últimos personajes emblemáticos del estudio en esta época, apareciendo en múltiples proyectos en los años, además de ser incorporado retroactivamente a la continuidad de “Los Picapiedras”.

 

Il était une fois… l’homme (Érase una vez… el hombre) – 1978

La animación francesa aparece por primera vez en nuestro recorrido con “Érase una vez… el hombre”, serie educativa creada por Albert Barillé la cual, a lo largo de 26 episodios, presentaba un recorrido educacional por la historia del hombre desde los albores de la humanidad hasta el, entonces, presente, a la vez que especulaba con lo que podría traer el futuro.

El show, transmitido y popularizado a lo largo de todo el mundo, sería el primero de la franquicia “Érase una vez…”, la cual continúa presente hasta nuestros días (su más reciente temporada, “Érase una vez… el Planeta Tierra” es del año 2008, y retoma la narrativa desde el final de la serie original).

Aún así, el show no ha estado exento de polémicas, partiendo por lo ocurrido en España, donde la serie fue censurada por lo que se consideraba una representación negativa de la participación hispana durante la época colonial de América -la llamada “Leyenda Negra” de España. Por otro lado, otra controversia se produjo respecto al material complementario en formato de comic, ya que éste fue modificado en Latinoamérica por las dictaduras militares de Argentina y Chile, las cuales agregaron pasajes religiosos no presentes en el material original (éstas también fueron distribuidas en Ecuador durante los 80’s).

 

Battle of the Planets (Fuerza G: Guardianes del Espacio) – 1978

Considerando el disclaimer inicial sobre no incluir animé en la lista para poder realizar a futuro una labor similar con la animación japonesa, más de alguno se sorprenderá de esta inclusión en la lista, mal que mal, estamos hablando de “Gatchaman”, una de las series insignia del animé.

Pero realizamos la inclusión porque la versión norteamericana de la serie -y que fue la que se popularizó en latinoamérica, por ejemplo-, dista mucho de la original japonesa de 1972. En efecto, “Science Ninja Team Gatchaman” fue editada por completo, reduciendo su número de capítulos de 105 a 85, a la vez que se quitaron las escenas violentas, la desnudez, cualquier tipo de profanidad y se modificó completamente al villano Berg Katse y su intersexualidad, y se agregaron escenas animadas por un estudio norteamericano, las cuales modificaron la trama -que ocurría íntegramente en la original-, para transformar el show en un recorrido interplanetario. ¿El motivo? El estreno en 1977 de una pequeña cinta conocida como “Star Wars”, reflejando una vez más la tendencia de la animación por capitalizar en lo que estaba de moda.

Pese a todos estos cambios que la hacen ser algo completamente distinto a lo original, “Battle of the Planets” contribuyó al primer boom de la animación japonesa en América -especialmente en Latinoamérica-, a la vez que abrió la puerta a la llegada de más producciones, la gran mayoría modificada, como el caso emblemático de “Super Dimension Fortress Macross”, “Super Dimension Cavalry Southern Cross” y “Genesis Climber Mospeada”, las cuales serían combinadas y unificadas en América bajo el título “Robotech”.

Cantinflas y sus Amigos – 1979

Creada originalmente en 1972 para capitalizar la inmensa popularidad del gran cómico mexicano Mario Moreno “Cantinflas”, “Cantinflas Show” era una serie mexicana donde una versión animada del actor -y con voz de él mismo-, viajaba por el tiempo y el espacio con fines levemente educativos, de paso conociendo a diversas célebres figuras históricas.

El éxito de la serie, sumado a la popularidad de Cantinflas, llevaron a que durante los 70’s se hiciera una alianza entre Televisa y Hanna-Barbera, para la distribución y exhibición de la serie en otras latitudes, en las cuales el show adoptó el extraño nombre de “Amigo and friends”, pese a que Cantinflas era conocido internacionalmente. Durante los 80’s, Hanna-Barbera también rehízo el show y su animación, la cual perdió calidad y adoptó el look opaco y “agotado” que afectaba al estudio durante fines de los 70’s y comienzos de los 80’s.

Pese a lo extraña de la premisa -nunca sabemos exactamente como Cantinflas llegó a los lugares donde se encuentra-, y a un inexplicable sexismo para una caricatura infantil de la época (cuesta encontrar episodios donde Cantinflas no flirtee con algún personaje femenino, usualmente sexualizado en su apariencia), “Cantinflas y sus amigos” es un interesante registro de la época, especialmente considerando que casi todas las líneas fueron improvisadas por el mismo comediante.

 

The New Adventures of Flash Gordon  – 1979

Con el éxito de “Star Wars” aún latente -y con la perspectiva del filme live action del 80, mayormente recordado por la música de Queen, en el horizonte-, Filmation entregó en 1979 la que sería una de sus mejores series, gracias a la primera adaptación animada de “Flash Gordon”, el conocido héroe de pulps y tiras cómicas, y cuyo serial justamente le había servido de inspiración a George Lucas para crear “Star Wars”.

La serie, originalmente concebida como una película animada, trató fielmente el material de origen, adaptando casi a la perfección la mitología del personaje gracias a un formato serializado, lo que era toda una rareza para la época considerando la aversión de la industria animada norteamericana por la narrativa continua, siempre optando más bien por episodios que funcionaran de forma aislada -para maximizar la sindicación-.

El show tuvo una gran recepción de audiencia y crítica para la época, sin embargo, NBC (canal donde se exhibía) seguía objetando el formato serializado, por lo cual para la segunda temporada, éste se eliminó en favor de un formato episódico así como en la introducción de un personaje comic relief para apelar a un público más infantil. Estos cambios, sumados al cambio de horario del show -donde topaba con las transmisiones deportivas-, terminó sepultando a la serie, la cual sería cancelada en 1982, privando al mundo de la gran precursora de lo que sería el estilo y estética de la animación ochentera.

 

The Plastic Man Comedy/Adventure Show (El programa de aventuras y comedia del Hombre Plástico) – 1979

Creado por Jack Cole en 1941, Plastic Man se volvería el personaje más conocido y popular de Quality Comics durante la edad de oro del medio. Posteriormente, tanto Plas como otros personajes de la compañía (como los Freedom Fighters y los Blackhawks), serían adquiridos por DC Comics en 1956, que los integraría paulatinamente al multiverso de la editorial.

Sería DC quienes, tras el éxito de shows como “Super Friends” (donde Plas realizó más de alguna aparición), licenciarían el personaje al estudio Ruby-Spears, quienes crearían un show anclado en el superhéroe, a la vez que establecían otros segmentos heroicos y de comedia -de ahí el título-, que se sienten como alguien llegando muy tarde a lo que Hanna-Barbera hizo durante 2 décadas.

Aún así, el segmento principal de Plastic Man vale la pena por sí mismo para justificar y reivindicar el proyecto, ya que no sólo es bastante fiel al material de origen, pero también influiría en el desarrollo del personaje en los comics en los años venideros.

 

 

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